Drei Jahre nach der Veröffentlichung des ersten, gemeinsamen SILLY Albums "ALLES ROT" im März 2010 von Anna Loos (Sängerin) , Ritchie Barton (Pianist) , Uwe Hassbecker (Gitarrist) und JäckiReznicek (Bassist), legen SILLY das zweite gemeinsame Werk „KOPF AN KOPF“ vor.

„KOPF AN KOPF“ ist gemeinsame Sache.
„KOPF AN KOPF“ ist Seite an Seite.
„KOPF AN KOPF“ ist auch der Punkt bevor es explodiert.
„KOPF AN KOPF“ ist aber immer - das Rennen und Ringen um das Ganze.

SILLY können nicht stillsitzen, nicht rasten und kreativ nicht ruhen. Das was die Band umgibt, will musikalisch erfasst, reflektiert, gedacht, gefühlt, durch den Wolf gedreht und weitergeführt werden.

Die Welt, das Land, das Leben sind vielleicht stärker im Fokus von SILLY denn je: die Menschen und der Wert dessen, was dahinter steckt, wenn Menschen Menschen sind. Das hat diese Band in den letzten drei Jahren unmittelbar bis aufs Rückgrat erlebt und man spürt es jedem Song dieses Albums an, ausdrucksstark und durchdringend.
 
Es ist das vielleicht persönlichste Album der Berliner Rockband.Das neue Album hat 15 Songs, es sind zumeist sehr emotionale Stücke, die unverkennbar SILLY sind. Songs, die in Mark und Bein gehen. Authentische Texte, die uns erinnern lassen, warum die Band  geliebt wird. Geballt zielt alles ins Herz und trifft.

Die Lieder sind jedoch nicht nur persönlich ("Ohne Dich", "Blutsgeschwister"), sie sind auch politisch ("Vaterland") und philosophisch ("Wo fang ich an?", "Im See"). "Deine Stärken" - die erste Singleauskopplung - und "Im Kreis" sind wunderbare, weil authentische Liebeserklärungen. Die Songs machen Mut ("Dein Atlantis") und motivieren ("Deine Stimme", "Spring"). Sie bewegen.

Der Titelsong „KOPF AN KOPF“ thematisiert Zusammenhalt und für einander einstehen. Symbolisch steht „KOPF AN KOPF“ aber auch für den zweijährigen Entstehungsprozess des Albums. Sowohl mit- als auch gegeneinander. Die vier Protagonisten sind starke Persönlichkeiten mit festem Willen und individuellen Vorstellungen. Aus den Reibungen – Kopf an Kopf – entsteht Großes. So war es schon immer bei SILLY, vielleicht ist es ihr Erfolgsrezept.

Die Mehrheit der Texte auf „KOPF AN KOPF“ wurden von Anna Loos geschrieben. Eine Premiere. Ein mutiger und richtiger Schritt. Richtig, weil man als Hörer nun noch näher dran ist. Mutig, weil man mit Werner Karma, der viele frühe Hits und auch die Texte auf „ALLES ROT“ geschrieben hat, einen der besten seines Faches gefunden hatte. Auf „KOPF AN KOPF“ ist er wieder mit vier Songtexten vertreten. Der Kreis schließt sich mit dem Song "Blinder Passagier", dessen Zeilen noch aus der Feder von Tamara Danz stammen - Sängerin des ersten Teiles der Geschichte von SILLY.

Der erste Teil der SILLY-Geschichte reicht bis in die späten Siebziger zurück. Ihr Schallplattendebüt erscheint übrigens zunächst ausschließlich im Westen. Erst ein Jahr später – 1981 – gibt es auch in der damaligen DDR eine LP. Bereits das zweite Album „MontKlamott“ (1983) steht für den auch noch heute ganz eigenen Bandsound. Auszeichnungen wie Band, Musiker, Sängerin oder LP des Jahres gehören nun zu ihrem Musikeralltag. Ihre Alben verkaufen sich hunderttausendfach. Das erfolgreiche SILLY-Kapitel endet im Sommer 1996 tragisch: Tamara Danz, Sängerin und Herz der Band, erliegt viel zu jung mit nur 43 Jahren einem Krebsleiden. In Berlin-Friedrichshain, nahe der o2-World, ist eine Straße nach ihr benannt.

SILLY ist nicht irgendeine Band, die mal ein paar Hits hatte. SILLY ist eine Institution und Musikgeschichte jüngeren Datums. Würde es nicht so pathetisch klingen, deutsch-deutsches Kulturgut. Sie waren in den Achtzigern die wichtigste Band im Osten Deutschlands und bewiesen ebenso Rückgrat nach dem Mauerfall. So schlugen sie beispielsweise einen gut dotierten Plattenvertrag aus, als das Majorlabel künstlerisch eingreifen wollte.

Die jüngere, zweite Geschichte beginnt 2005, als die Band wieder anfängt, live zu spielen. Zunächst mit Gastsängern, dann mit Anna Loos. Die Schauspielerin ist eine großartige Sängerin und die Entscheidung, mit ihr zusammen zu arbeiten, ist ein Glücksgriff. Sie ist ein Energiebündel, ein Motor und nicht nur in der Lage, ein für andere unerreichbares Erbe anzutreten.Sie schafft es, die Geschichte fortzuschreiben. „ALLES ROT“, das Album aus 2010, ist der vorläufige Höhepunkt.

„ALLES ROT“ erscheint fast auf den Tag genau drei Jahre vor Kopf an Kopf und ist ein Meilenstein. Nicht der erste der Band, aber ein ganz besonderer. Es ist ein fulminantes Comeback, aber auch ein Debüt. Comeback, weil es sich lange Zeit so anfühlte, dass es nie wieder ein neues SILLY-Album geben würde – zwischen „ALLES ROT“ und seinem Vorgänger liegen immerhin 14 lange Jahre. Debüt, weil SILLY sich neu aufstellt – mit der neuen Sängerin Anna Loos in ihrer Mitte.

Mehrere hunderttausend Kopien werden von „ALLES ROT“ bis heute über die Verkaufstische gereicht. Es gibt ausverkaufte Tourneen und einen zweiten Platz bei Stefan Raabs „Bundesvision Song Contest“. Und es gibt 2011 Platin – zum ersten Mal nach der Wiedervereinigung an eine Band aus dem ehemaligen Osten, die bereits zu DDR Zeiten Erfolge feiert.

„KOPF AN KOPF“ ist die Fortsetzung beider Geschichten. Es ist ein typisches SILLY-Album und doch birgt es viele Überraschungen. Die unverwechselbaren Kompositionen von Ritchie Barton und Uwe Hassbecker, angereichert mit einer Vielzahl von Instrumenten und sorgfältig strukturierten Arrangements, lassen auch erfahrene Hörer atemlos staunen. Dabei ist das nie bloße Virtuosenspielerei, sondern fügt sich zu einem komplexen, dicht verwobenen, aber immer transparentem Gesamtsound. Wuchtig und unwiderstehlich im Gesamteindruck, faszinierend filigran im Detail. Ein SILLY-Album ist nie eine flüchtige Bekanntschaft. Erst, wenn man sich wirklich darauf einlässt, geben Musik und Text immer wieder neue Nuancen und Perspektiven preis.

Dabei haben SILLY den Rock’n Roll nicht neu erfunden. Ihr Geheimnis ist, dass sie wie ein Sterne-Koch ihre Zutaten - natürlich und von allerbester Qualität - in einer Weise miteinander verweben, dass eine ganz neue sinnliche, kraftvolle Harmonie entsteht. Darauf werden Melodiebögen gesetzt, die ungeheuer eingängig sind, sich aber nie irgendwo anbiedern. Die nie auf Mehrheiten schielen und sie trotzdem oder gerade deshalb problemlos einfangen.

Das Ergebnis ist unverwechselbar; die Musik dieser Band hat künstlerisch den besten Kopierschutz, den es gibt: Die Einzigartigkeit ihrer Macher.


ZUR VORBAND:


Dass gute Musik nicht nur in den großen Städten dieser Welt gemacht werden kann, beweist die Band RAUSCHENBERGER, die als Vorband auf dem Silly-Konzert gastieren darf. Sie kommen aus „Hannover, nicht Hollywood“ und setzen mit ihren Songs die Messlatte hoch. Dabei versprechen sie nichts, was sie nicht halten können.

„Wir können nur gewinnen, mit dem Mut zu verlieren“ heißt es weiter, wenn Kopf der Band, Daniel RAUSCHENBERGER, mit seiner rauchigen Stimme gefühlvoll und ansprechend seine Alltagsgeschichten zu ernstzunehmender, gitarren-lastiger Popmusik singt. Nicht nur sein Name steht für die Band, auch seine deutschen Texte sind es, die seinen selbst komponierten Liedern ihren Charakter geben: Nachdenklich, fast melancholisch sind sie und steuern trotzdem in eine positive Richtung, ohne gequält fröhlich zu klingen.

Und hier ist er wieder:

Der König der SINGENDEN, TANZENDEN  Blattläuse: HELGE SCHNEIDER!
Mit einer groß angelegten SOMMERTOURNEE will er sich bei allen Fans bundesweit bedanken für über vierzig Jahre FASZINATION HERRENTORTE!

Mit dabei: VIELE FREUNDE und GLÄUBIGER!

Zugesagt haben bereits:

Beatboxerin BUTTERSCOTCH
die Puppenspielerin SUSE WÄCHTER
die Drummer PETE YORK & WILLI KETZER
Bassist IRA COLEMAN
die Saxofonisten SCOTT HAMILTON & TYREE GLENN JR.
Startänzer SERGEJ RACHMANINOW GLEITHMANN -
Stimmwunder UDO LINDENBERG (nur das Ersatzdouble, gespielt vom Meister persönlich, nämlich von HELGE!) sowie MADONNO! - BRUCE SPRINGMANN und  A N D E R EEs soll seine ABSCHLUSSTOURNEE sein, bevor er die NÄCHSTE TOUR vorbereitet! Also: wer ihn noch mal im Jahr 2013 sehen will: NICHTS WIE HIN

Wer über 30 ist und mit Gleichgesinnten tanzen, Spaß haben und eine einmalige Nacht erleben möchte, ist auf der „Suberg's ü30 Party“ genau richtig. Am 07.09.2013 ist das unvergleichliche Ausgehspektakel wieder zu Gast in der StadtHalle Rostock. Um 20 Uhr fällt der Startschuss zu einem unvergesslichen Erlebnis mit netten Leuten der „Generation 30 plus“. Natürlich dürfen weder die beste Musik der vergangenen 50 Jahre, noch ein hervorragendes Sound- und Lichtsystem fehlen. Auf den insgesamt fünf Tanzflächen ist für jeden Geschmack garantiert das Richtige dabei - von aktuellen Charts über angesagten Clubsound bis hin zu Schlagern und Oldies. Aufgrund des großen Erfolges im vergangenen Jahr kehrt auch der Line Dance-Floor zur Suberg´s ü30 Party zurück: Ganz unter dem Motto "Countryfeeling wie im Wilden Westen" wird die ganze Nacht getanzt bis die Boots qualmen. Und für alle Line Dance-Neulinge gibt es auch Workshops vor Ort.

Wer „Suberg's ü30 Party“ betritt, wird sich vom ersten Moment an wohl fühlen. Die Party ist viel mehr als „nur“ eine Feier, sie ist ein wunderschöner Ausflug aus dem  Alltag. Tanzen, bei einem kühlen Longdrink entspannen und flirten – all das ist hier möglich.

Andere singen von Freiheit, Heinz Rudolf Kunze nimmt sie sich – vorzugsweise die künstlerische. Alle Jahre wieder unternimmt er Ausflüge abseits der in seiner 30-jährigen Karriere eigenfüßig gestampften Pfade des Deutschrock. „Räuberzivil“ nennt Kunze diese Form des Musizierens. 2006 entsteht aus dem Live-Programm „Bockwurst und Schadenfreude“ das erste Räuberzivil-Doppelalbum „Kommando Zuversicht“. Sind es hier noch ausschließlich Songs aus dem umfangreichen Katalog, die er nur mit akustischen Gitarren, einem Klavier und seinem Wegbegleiter Wolfgang Stute bewaffnet darbietet, gewinnt dieses Nebenprojekt in den folgenden Jahren zunehmend an Bedeutung. 2009 folgt das schlicht, aber konsequent „Räuberzivil“ betitelte Doppelalbum – als dritter Mann im Bunde dabei Hajo Hoffmann an Mandoline und Violine. Sieben exklusive neue Songs schreibt Kunze für das Live-Programm. Wieder drei Jahre später und nach mittlerweile über 300 Räuberzivil-Konzerten legt Kunze nun erstmals ein Räuberzivil-Studioalbum vor. Peter Pichl, der seit Jahren für Kunzes Live-Sound und Demo-Produktionen verantwortlich zeichnet, stößt als Bassist zur Band, die das Motto „Räuberzivil“ als Bandnamen annimmt. Gemeinsam produzieren Kunze und Pichl mit Jens Bernewitz, in dessen Noah-Studios das Album aufgenommen wird, 34 Stücke, davon 21 Lieder und 13 teilweise musikalisch untermalte Sprechtexte.

„Ich erblicke in der U-Bahn meinen Vater / bei den Schaffnern ist er ungemein beliebt / er hat immer und für alles einen Fahrschein / selbst für Fahrten, die es überhaupt nicht gibt“ singt Kunze im stillen Opener „Das Dasein und ich“. Ein Song, der auch ein Outtake aus seinem ersten Album „Reine Nervensache“ von 1981 hätte sein können, das es sträflicherweise damals nicht auf die Platte schaffte. Aber das ist er nicht. Das ist Kunze 2012. Auch das „Lied für Berlin“ führt das fort, was er 1982 mit „Regen in Berlin“ auf „Eine Form von Gewalt“ initiierte. Das musikalische Spektrum Kunzes wiedergefundener musikalischer Freiheit reicht von jenen stillen Tönen über Rock („Räuberzivil“) und Blues („Sie hassen dich“) bis hin zu augenzwinkerndem Country mit dem polarisierenden „Im nächsten Leben werd' ich Spielerfrau“. Und dann sind da noch ganz viele Songs, die einfach durch und durch Kunze sind – z.B. „Bleib Schmerz bleib“ oder „Es ist Krieg“. Eine Verneigung vor John Lennon gönnt er sich mit seiner Version von „Working Class Hero“, hier „Mach es wie ich“.

Es geht Kunze bei „Hier rein da raus“ nicht um mehrheitsfähigen Pop-Rock, den er erwiesenermaßen beherrscht. Es geht nicht um das Kalkül, eine Single im Radio zu platzieren oder in der Samstagabendshow. Ein Album ohne jede taktische Überlegung sollte es werden, kompromisslos, spontan. Es ist ein Album von eben dem Kunze, der in den letzten Jahren eventuell etwas zu kurz kam.

Die Kunztform „Räuberzivil“ von der Bühne ins Studio (und schließlich zurück auf die Bühne) zu transportieren, macht hörbar Spaß. In zwölf Tagen spielen sich die Musiker in einen wahren Aufnahmerausch. Und sie lassen Raum für Experimente, ohne die Spontaneität an den Nagel zu hängen und ohne dass die Musik an ihrer wohltuend erdigen Anmutung einbüßen würde. Die musikalisch untermalten literarischen Beiträge sind, wie sie bei Kunze immer sind: ätzend, bissig, satirisch und höchstens unter der Gürtellinie, um richtig zuzutreten. Kunze hat mit „Hier rein da raus“ zu sich selbst gefunden und, das werden seine langjährigen Hörer hoffentlich bestätigen, einen Meilenstein abgeliefert. Nun gut, einen kleinen Meilenstein, denn das Album nimmt sich nicht wichtiger als es ist. Aber immerhin.

Bleiben naheliegende Fragen, z.B. warum Kunze fürs Cover eine junge Dame vorschickt. Kunze macht es sich einfach und verweist auf Roxy Music. Oder warum betitelt er das Album wie eine Einladung zum Eigentor: „Hier rein da raus“? Schließlich sind die Songs alles andere als schnell wieder vergessen. Aber man muss auch nicht immer alles hinterfragen. Und wer braucht schon Antworten? Die Hörer mögen welche finden, selbst wenn die Songs keine Fragen stellen. Denn die Worte, soviel steht fest, lassen viel zu.

Nutzen Sie die Gelegenheit und machen Sie sich live ein Bild:

Willkommen in der neuen Welt des Klangs: Christopher von Deylen alias Schiller lädt nach der Live-Tournee in den ganz großen Hallen erneut zu „Elektronik Pur“ ein. 50 Konzerte rein instrumental, u. a. in der Konzertkirche Neubrandenburg, dem Capitol Schwerinund der StadtHalle Rostock (ClubBühne). Außergewöhnliche Orte, klassische Theater, alle bestuhlt. Zurücklehnen und eintauchen in ein Meer aus Licht und Sound. Sphärische Synthesizer-Sounds, hypnotische Rhythmen, atemberaubende Surround-Symphonien. Live erleben, wie der Soundvisionär auf der Bühne mit seinen musikalischen Gästen Cliff Hewitt, Christian Kretschmar und Ralf Gustke Klanggemälde außerordentlicher Schönheit und Intensität entwickelt.

Andere singen von Freiheit, Heinz Rudolf Kunze nimmt sie sich – vorzugsweise die künstlerische. Alle Jahre wieder unternimmt er Ausflüge abseits der in seiner 30-jährigen Karriere eigenfüßig gestampften Pfade des Deutschrock. „Räuberzivil“ nennt Kunze diese Form des Musizierens. 2006 entsteht aus dem Live-Programm „Bockwurst und Schadenfreude“ das erste Räuberzivil-Doppelalbum „Kommando Zuversicht“. Sind es hier noch ausschließlich Songs aus dem umfangreichen Katalog, die er nur mit akustischen Gitarren, einem Klavier und seinem Wegbegleiter Wolfgang Stute bewaffnet darbietet, gewinnt dieses Nebenprojekt in den folgenden Jahren zunehmend an Bedeutung. 2009 folgt das schlicht, aber konsequent „Räuberzivil“ betitelte Doppelalbum – als dritter Mann im Bunde dabei Hajo Hoffmann an Mandoline und Violine. Sieben exklusive neue Songs schreibt Kunze für das Live-Programm. Wieder drei Jahre später und nach mittlerweile über 300 Räuberzivil-Konzerten legt Kunze nun erstmals ein Räuberzivil-Studioalbum vor. Peter Pichl, der seit Jahren für Kunzes Live-Sound und Demo-Produktionen verantwortlich zeichnet, stößt als Bassist zur Band, die das Motto „Räuberzivil“ als Bandnamen annimmt. Gemeinsam produzieren Kunze und Pichl mit Jens Bernewitz, in dessen Noah-Studios das Album aufgenommen wird, 34 Stücke, davon 21 Lieder und 13 teilweise musikalisch untermalte Sprechtexte.

„Ich erblicke in der U-Bahn meinen Vater / bei den Schaffnern ist er ungemein beliebt / er hat immer und für alles einen Fahrschein / selbst für Fahrten, die es überhaupt nicht gibt“ singt Kunze im stillen Opener „Das Dasein und ich“. Ein Song, der auch ein Outtake aus seinem ersten Album „Reine Nervensache“ von 1981 hätte sein können, das es sträflicherweise damals nicht auf die Platte schaffte. Aber das ist er nicht. Das ist Kunze 2012. Auch das „Lied für Berlin“ führt das fort, was er 1982 mit „Regen in Berlin“ auf „Eine Form von Gewalt“ initiierte. Das musikalische Spektrum Kunzes wiedergefundener musikalischer Freiheit reicht von jenen stillen Tönen über Rock („Räuberzivil“) und Blues („Sie hassen dich“) bis hin zu augenzwinkerndem Country mit dem polarisierenden „Im nächsten Leben werd' ich Spielerfrau“. Und dann sind da noch ganz viele Songs, die einfach durch und durch Kunze sind – z.B. „Bleib Schmerz bleib“ oder „Es ist Krieg“. Eine Verneigung vor John Lennon gönnt er sich mit seiner Version von „Working Class Hero“, hier „Mach es wie ich“.

Es geht Kunze bei „Hier rein da raus“ nicht um mehrheitsfähigen Pop-Rock, den er erwiesenermaßen beherrscht. Es geht nicht um das Kalkül, eine Single im Radio zu platzieren oder in der Samstagabendshow. Ein Album ohne jede taktische Überlegung sollte es werden, kompromisslos, spontan. Es ist ein Album von eben dem Kunze, der in den letzten Jahren eventuell etwas zu kurz kam.

Die Kunztform „Räuberzivil“ von der Bühne ins Studio (und schließlich zurück auf die Bühne) zu transportieren, macht hörbar Spaß. In zwölf Tagen spielen sich die Musiker in einen wahren Aufnahmerausch. Und sie lassen Raum für Experimente, ohne die Spontaneität an den Nagel zu hängen und ohne dass die Musik an ihrer wohltuend erdigen Anmutung einbüßen würde. Die musikalisch untermalten literarischen Beiträge sind, wie sie bei Kunze immer sind: ätzend, bissig, satirisch und höchstens unter der Gürtellinie, um richtig zuzutreten. Kunze hat mit „Hier rein da raus“ zu sich selbst gefunden und, das werden seine langjährigen Hörer hoffentlich bestätigen, einen Meilenstein abgeliefert. Nun gut, einen kleinen Meilenstein, denn das Album nimmt sich nicht wichtiger als es ist. Aber immerhin.

Bleiben naheliegende Fragen, z.B. warum Kunze fürs Cover eine junge Dame vorschickt. Kunze macht es sich einfach und verweist auf Roxy Music. Oder warum betitelt er das Album wie eine Einladung zum Eigentor: „Hier rein da raus“? Schließlich sind die Songs alles andere als schnell wieder vergessen. Aber man muss auch nicht immer alles hinterfragen. Und wer braucht schon Antworten? Die Hörer mögen welche finden, selbst wenn die Songs keine Fragen stellen. Denn die Worte, soviel steht fest, lassen viel zu.

Nutzen Sie die Gelegenheit und machen Sie sich live ein Bild:

Andere singen von Freiheit, Heinz Rudolf Kunze nimmt sie sich – vorzugsweise die künstlerische. Alle Jahre wieder unternimmt er Ausflüge abseits der in seiner 30-jährigen Karriere eigenfüßig gestampften Pfade des Deutschrock. „Räuberzivil“ nennt Kunze diese Form des Musizierens. 2006 entsteht aus dem Live-Programm „Bockwurst und Schadenfreude“ das erste Räuberzivil-Doppelalbum „Kommando Zuversicht“. Sind es hier noch ausschließlich Songs aus dem umfangreichen Katalog, die er nur mit akustischen Gitarren, einem Klavier und seinem Wegbegleiter Wolfgang Stute bewaffnet darbietet, gewinnt dieses Nebenprojekt in den folgenden Jahren zunehmend an Bedeutung. 2009 folgt das schlicht, aber konsequent „Räuberzivil“ betitelte Doppelalbum – als dritter Mann im Bunde dabei Hajo Hoffmann an Mandoline und Violine. Sieben exklusive neue Songs schreibt Kunze für das Live-Programm. Wieder drei Jahre später und nach mittlerweile über 300 Räuberzivil-Konzerten legt Kunze nun erstmals ein Räuberzivil-Studioalbum vor. Peter Pichl, der seit Jahren für Kunzes Live-Sound und Demo-Produktionen verantwortlich zeichnet, stößt als Bassist zur Band, die das Motto „Räuberzivil“ als Bandnamen annimmt. Gemeinsam produzieren Kunze und Pichl mit Jens Bernewitz, in dessen Noah-Studios das Album aufgenommen wird, 34 Stücke, davon 21 Lieder und 13 teilweise musikalisch untermalte Sprechtexte.

„Ich erblicke in der U-Bahn meinen Vater / bei den Schaffnern ist er ungemein beliebt / er hat immer und für alles einen Fahrschein / selbst für Fahrten, die es überhaupt nicht gibt“ singt Kunze im stillen Opener „Das Dasein und ich“. Ein Song, der auch ein Outtake aus seinem ersten Album „Reine Nervensache“ von 1981 hätte sein können, das es sträflicherweise damals nicht auf die Platte schaffte. Aber das ist er nicht. Das ist Kunze 2012. Auch das „Lied für Berlin“ führt das fort, was er 1982 mit „Regen in Berlin“ auf „Eine Form von Gewalt“ initiierte. Das musikalische Spektrum Kunzes wiedergefundener musikalischer Freiheit reicht von jenen stillen Tönen über Rock („Räuberzivil“) und Blues („Sie hassen dich“) bis hin zu augenzwinkerndem Country mit dem polarisierenden „Im nächsten Leben werd' ich Spielerfrau“. Und dann sind da noch ganz viele Songs, die einfach durch und durch Kunze sind – z.B. „Bleib Schmerz bleib“ oder „Es ist Krieg“. Eine Verneigung vor John Lennon gönnt er sich mit seiner Version von „Working Class Hero“, hier „Mach es wie ich“.

Es geht Kunze bei „Hier rein da raus“ nicht um mehrheitsfähigen Pop-Rock, den er erwiesenermaßen beherrscht. Es geht nicht um das Kalkül, eine Single im Radio zu platzieren oder in der Samstagabendshow. Ein Album ohne jede taktische Überlegung sollte es werden, kompromisslos, spontan. Es ist ein Album von eben dem Kunze, der in den letzten Jahren eventuell etwas zu kurz kam.

Die Kunztform „Räuberzivil“ von der Bühne ins Studio (und schließlich zurück auf die Bühne) zu transportieren, macht hörbar Spaß. In zwölf Tagen spielen sich die Musiker in einen wahren Aufnahmerausch. Und sie lassen Raum für Experimente, ohne die Spontaneität an den Nagel zu hängen und ohne dass die Musik an ihrer wohltuend erdigen Anmutung einbüßen würde. Die musikalisch untermalten literarischen Beiträge sind, wie sie bei Kunze immer sind: ätzend, bissig, satirisch und höchstens unter der Gürtellinie, um richtig zuzutreten. Kunze hat mit „Hier rein da raus“ zu sich selbst gefunden und, das werden seine langjährigen Hörer hoffentlich bestätigen, einen Meilenstein abgeliefert. Nun gut, einen kleinen Meilenstein, denn das Album nimmt sich nicht wichtiger als es ist. Aber immerhin.

Bleiben naheliegende Fragen, z.B. warum Kunze fürs Cover eine junge Dame vorschickt. Kunze macht es sich einfach und verweist auf Roxy Music. Oder warum betitelt er das Album wie eine Einladung zum Eigentor: „Hier rein da raus“? Schließlich sind die Songs alles andere als schnell wieder vergessen. Aber man muss auch nicht immer alles hinterfragen. Und wer braucht schon Antworten? Die Hörer mögen welche finden, selbst wenn die Songs keine Fragen stellen. Denn die Worte, soviel steht fest, lassen viel zu.

Nutzen Sie die Gelegenheit und machen Sie sich live ein Bild:

Willkommen in der neuen Welt des Klangs: Christopher von Deylen alias Schiller lädt nach der Live-Tournee in den ganz großen Hallen erneut zu „Elektronik Pur“ ein. 50 Konzerte rein instrumental, u. a. in der Konzertkirche Neubrandenburg, dem Capitol Schwerinund der StadtHalle Rostock (ClubBühne). Außergewöhnliche Orte, klassische Theater, alle bestuhlt. Zurücklehnen und eintauchen in ein Meer aus Licht und Sound. Sphärische Synthesizer-Sounds, hypnotische Rhythmen, atemberaubende Surround-Symphonien. Live erleben, wie der Soundvisionär auf der Bühne mit seinen musikalischen Gästen Cliff Hewitt, Christian Kretschmar und Ralf Gustke Klanggemälde außerordentlicher Schönheit und Intensität entwickelt. Schillers Weltenklang – einmalig.

Günther Fischer, ein Ausnahmemusiker und einer der großen deutschen Filmkomponisten von internationalem Rang, ist mit seiner Band, zweifellos eine der erfolgreichsten und beständigsten Jazzformationen, wieder auf Konzerttour.

Das exklusive Konzert
Noch nie hatte ein Programm der Günther-Fischer-Band so viel Hitpotential wie im Moment, denn seit Neuestem sind auf den Konzerten ausgewählte Stücke aus Fischers Zusammenarbeit mit Manfred Krug und Uschi Brüning sowie Ohrwürmer aus sei¬nen Filmmusiken zu hören. Unvergessen ist sein Song zum gleich¬namigen Film „Solo Sunny“, der im Konzert live von seiner Tochter Laura dargeboten wird, die Günther Fischer, soweit es Lauras Studium erlaubt, ab und an als Gesangssolistin dabei hat.

Die Musiker

Wolfgang „Zicke“ Schneider (Drums) ist Gründungsmitglied und seit über 30 Jahren ein Begriff in der Musikszene. Seine Professionalität, sein handwerkliches Können sowie seine Vielseitigkeit machen ihn zu einem der gefragtesten Mitspieler in den verschiedenen Bereichen des Musikgeschehens.

Detlef Bielke (Keyb.) ist seit 1984 Mitglied der Günther Fischer Band studierte an der Musikhochschule „Hanns Eisler“ in Berlin Klavier.

Tom Götze (Bass) studierte von 1984 bis 1990 Tuba, Bassgitarre und Kontrabass an der Musikhochschule in Dresden. Seit seinem Stu¬dienaufenthalt 1992/93 in den USA (New York - Los Angeles) ist er als freiberuflicher Musiker in den Bereichen Jazz, Rock, Klassik und Schauspielmusik tätig.

Rüdiger Krause (Gitarre), ist ein ausgesprochen vielseitiger Musiker und Ausnahmegitarrist. Er ist mit allen Stilrichtungen und Spielarten vertraut und beeindruckt durch sein exzellentes Gitarrenspiel.

Die Musiker - jeder einzelne ein Spitzensolist in der deutschen Jazzszene - entpuppen sich als sangesfreudige Multitalente. Und noch eine kleine Sensation: Günther Fischer selbst singt einige seiner schönsten Jazz-Chansons aus seiner Zusammenarbeit mit Manfred Krug, wie z.B. „Das war nur ein Moment“, „Der Tag beginnt“, „Sonntag“, „Nacht, ich träume düster“, „Wenn’s draußen grün wird“ und „Ein Hauch von Frühling“.

Fans des instrumentalen Jazz werden auch weiterhin nicht auf den typischen und unverwechselbaren Sound der Günther Fischer Band verzichten müssen.
 

Günther Fischer, ein Ausnahmemusiker und einer der großen deutschen Filmkomponisten von internationalem Rang, ist mit seiner Band, zweifellos eine der erfolgreichsten und beständigsten Jazzformationen, wieder auf Konzerttour.

Das exklusive Konzert
Noch nie hatte ein Programm der Günther-Fischer-Band so viel Hitpotential wie im Moment, denn seit Neuestem sind auf den Konzerten ausgewählte Stücke aus Fischers Zusammenarbeit mit Manfred Krug und Uschi Brüning sowie Ohrwürmer aus sei¬nen Filmmusiken zu hören. Unvergessen ist sein Song zum gleich¬namigen Film „Solo Sunny“, der im Konzert live von seiner Tochter Laura dargeboten wird, die Günther Fischer, soweit es Lauras Studium erlaubt, ab und an als Gesangssolistin dabei hat.

Die Musiker

Wolfgang „Zicke“ Schneider (Drums) ist Gründungsmitglied und seit über 30 Jahren ein Begriff in der Musikszene. Seine Professionalität, sein handwerkliches Können sowie seine Vielseitigkeit machen ihn zu einem der gefragtesten Mitspieler in den verschiedenen Bereichen des Musikgeschehens.

Detlef Bielke (Keyb.) ist seit 1984 Mitglied der Günther Fischer Band studierte an der Musikhochschule „Hanns Eisler“ in Berlin Klavier.

Tom Götze (Bass) studierte von 1984 bis 1990 Tuba, Bassgitarre und Kontrabass an der Musikhochschule in Dresden. Seit seinem Stu¬dienaufenthalt 1992/93 in den USA (New York - Los Angeles) ist er als freiberuflicher Musiker in den Bereichen Jazz, Rock, Klassik und Schauspielmusik tätig.

Rüdiger Krause (Gitarre), ist ein ausgesprochen vielseitiger Musiker und Ausnahmegitarrist. Er ist mit allen Stilrichtungen und Spielarten vertraut und beeindruckt durch sein exzellentes Gitarrenspiel.

Die Musiker - jeder einzelne ein Spitzensolist in der deutschen Jazzszene - entpuppen sich als sangesfreudige Multitalente. Und noch eine kleine Sensation: Günther Fischer selbst singt einige seiner schönsten Jazz-Chansons aus seiner Zusammenarbeit mit Manfred Krug, wie z.B. „Das war nur ein Moment“, „Der Tag beginnt“, „Sonntag“, „Nacht, ich träume düster“, „Wenn’s draußen grün wird“ und „Ein Hauch von Frühling“.

Fans des instrumentalen Jazz werden auch weiterhin nicht auf den typischen und unverwechselbaren Sound der Günther Fischer Band verzichten müssen.
 

Mitten im deutschen Winter bricht die kubanische Sängerin und Songwriterin Addys Mercedes auf und spielt mit ihrer Familienband "En Casa de Addys" einige hautnahe Konzerte.

Geboren in der Provinz Guantánamo.
Lebt und schreibt Songs in Deutschland.
Anders. Liebevoll. Augenzwinkernd.

Zwischen ihrer neuen Wahlheimat Essen und ihrem tropischen Geburtsstätte entsteht ein neues Klangbild: New Cuban Son. Teil der Band ist ihre 12-jährige Tochter Lia (Geige), die unterwegs von der "Schule für Kinder beruflich Reisender" unterrichtet wird.

Addys Mercedes charismatische Ausnahmesängerin aus Kuba, befreit die Musik ihrer Heimat von staubigen Klischees dicker Zigarren, singender Opas und leichter Mädchen. Den "New Cuban Son" – eine Wiederbelebung der Essenz kubanischer Klänge erfunden zu haben - das bescheinigen ihr die Kritiker: Modernes, europäisches Songwriting trifft auf halbem Wege die schönsten Momente der temperamentvollen Traditionen von der Karibikinsel. Bei der fulminanten Addys Mercedes wird daraus diese Art von Musik, die einem nicht mehr aus dem Kopf geht. Sondern ins Herz.
 
Mit ihrer Tochter Lia (12), Jungstudentin der Violine an der Folkwang Universität der Künste, und einer so außer- gewöhnlich besetzten wie ungewöhnlich gut eingespielten Band an ihrer Seite geht sie nun auf Tournee – "En Casa de Addys" heißt das Quartett und ihr neues Liveprogramm. Und ganz wie bei Addys im Wohnzimmer fühlt sich bei diesen besonderen Konzerten von der ersten Minute an der geneigte Zuhörer – beim andächtigen Lauschen Addys` turbulenter Geschichten über ihr Leben und ihre eigenen Wege zwischen und in zwei Welten, beim Mitsummen der markant-melancholischen Melodien, beim Schwingen des Tanzbeines zu den warm-vibrierenden Rhythmen.

Altehrwürdige Konzerthäuser in 16 Ländern wie die Alte Oper Frankfurt, das Södra Teatern Stockholm, die Stadsschouwburg Brugge und das Convento do Beato Lissabon kamen genauso in den Genuss dieser musikalischen Familienaffäre wie große Festivals mit Künstlern wie Eric Clapton, Ringo Starr und Bob Geldof.

Willkommen in der neuen Welt des Klangs: Christopher von Deylen alias Schiller lädt nach der Live-Tournee in den ganz großen Hallen erneut zu „Elektronik Pur“ ein. 50 Konzerte rein instrumental, u. a. in der Konzertkirche Neubrandenburg, dem Capitol Schwerinund der StadtHalle Rostock (ClubBühne). Außergewöhnliche Orte, klassische Theater, alle bestuhlt. Zurücklehnen und eintauchen in ein Meer aus Licht und Sound. Sphärische Synthesizer-Sounds, hypnotische Rhythmen, atemberaubende Surround-Symphonien. Live erleben, wie der Soundvisionär auf der Bühne mit seinen musikalischen Gästen Cliff Hewitt, Christian Kretschmar und Ralf Gustke Klanggemälde außerordentlicher Schönheit und Intensität entwickelt. Schillers Weltenklang – einmalig.

 „AUSTRALIAN BEE GEES“ ist heute in vielen Teilen der Welt als die beste Tribute-Band der legendären Bee Gees bekannt! Die frühere Top-40-Coverband wurde 1996 während eines Fluges von ihrer Heimat Australien nach Singapur gegründet. Über den Wolken eröffnete ihnen ihr Booking-Agent, dass es schon immer sein Traum war, die Geschichte der Bee Gees auf der Bühne zu präsentieren. Er war davon überzeugt, dass dank der Stimmen und der musikalischen Fähigkeiten seiner Jungs eine solche Show ins Leben gerufen werden könnte. Die Bandmitglieder waren zunächst sprachlos, hatten sie selbst doch genau diese Idee seit einiger Zeit in ihren Köpfen. So wurde mit einigen Gläsern Champagner angestoßen und „AUSTRALIAN BEE GEES“ geboren.

„AUSTRALIAN BEE GEES“ bietet dem Publikum mit der „Bee Gees-SHOW“ ein unvergessliches Erlebnis voller magischer Momente. Diesen hochtalentierten Musikern zuzusehen und zuzuhören, gibt wirklich jedem das Gefühl, ein Bee Gees-Konzert live zu erleben. In der Show lassen „AUSTRALIAN BEE GEES“ sowohl die Bee Gees-Klassiker aus den 60igern und 70igern als auch viele denkwürdige Momente der „One Night Only“-Konzerte wiederaufleben. „AUSTRALIAN BEE GEES“  überzeugte auch die offiziellen Bee Gees-Fan Clubs weltweit. Seit mehr als 3 Jahren gastiert die Band in LAS VEGAS, im Excalibur Casino.

„AUSTRALIAN BEE GEES“  haben ihre unvergleichliche Show schon in zahlreichen Ländern gespielt, u.a. in Australien, Neuseeland, den USA, Kananda, Brasilien, Deutschland, Malaysia, Singapur, Thailand, auf den Philippinen, China, Indonesien, Vereinigte Arabische Emirate und Bahrain. Und obwohl das Reisen manchmal sehr anstrengend sein kann, liebt es die Band vor immer neuen Gesichtern weltweit aufzutreten.

Verpassen Sie nicht die Chance, die Story der legendären Bee Gees mit „AUSTRALIAN BEE GEES“ zu erleben.

„AUSTRALIAN BEE GEES“ ist heute in vielen Teilen der Welt als die beste Tribute-Band der legendären Bee Gees bekannt! Die frühere Top-40-Coverband wurde 1996 während eines Fluges von ihrer Heimat Australien nach Singapur gegründet. Über den Wolken eröffnete ihnen ihr Booking-Agent, dass es schon immer sein Traum war, die Geschichte der Bee Gees auf der Bühne zu präsentieren. Er war davon überzeugt, dass dank der Stimmen und der musikalischen Fähigkeiten seiner Jungs eine solche Show ins Leben gerufen werden könnte. Die Bandmitglieder waren zunächst sprachlos, hatten sie selbst doch genau diese Idee seit einiger Zeit in ihren Köpfen. So wurde mit einigen Gläsern Champagner angestoßen und „AUSTRALIAN BEE GEES“ geboren.

„AUSTRALIAN BEE GEES“ bietet dem Publikum mit der „Bee Gees-SHOW“ ein unvergessliches Erlebnis voller magischer Momente. Diesen hochtalentierten Musikern zuzusehen und zuzuhören, gibt wirklich jedem das Gefühl, ein Bee Gees-Konzert live zu erleben. In der Show lassen „AUSTRALIAN BEE GEES“ sowohl die Bee Gees-Klassiker aus den 60igern und 70igern als auch viele denkwürdige Momente der „One Night Only“-Konzerte wiederaufleben. „AUSTRALIAN BEE GEES“  überzeugte auch die offiziellen Bee Gees-Fan Clubs weltweit. Seit mehr als 3 Jahren gastiert die Band in LAS VEGAS, im Excalibur Casino.

„AUSTRALIAN BEE GEES“  haben ihre unvergleichliche Show schon in zahlreichen Ländern gespielt, u.a. in Australien, Neuseeland, den USA, Kananda, Brasilien, Deutschland, Malaysia, Singapur, Thailand, auf den Philippinen, China, Indonesien, Vereinigte Arabische Emirate und Bahrain. Und obwohl das Reisen manchmal sehr anstrengend sein kann, liebt es die Band vor immer neuen Gesichtern weltweit aufzutreten.

Verpassen Sie nicht die Chance, die Story der legendären Bee Gees mit „AUSTRALIAN BEE GEES“ zu erleben.

„AUSTRALIAN BEE GEES“ ist heute in vielen Teilen der Welt als die beste Tribute-Band der legendären Bee Gees bekannt! Die frühere Top-40-Coverband wurde 1996 während eines Fluges von ihrer Heimat Australien nach Singapur gegründet. Über den Wolken eröffnete ihnen ihr Booking-Agent, dass es schon immer sein Traum war, die Geschichte der Bee Gees auf der Bühne zu präsentieren. Er war davon überzeugt, dass dank der Stimmen und der musikalischen Fähigkeiten seiner Jungs eine solche Show ins Leben gerufen werden könnte. Die Bandmitglieder waren zunächst sprachlos, hatten sie selbst doch genau diese Idee seit einiger Zeit in ihren Köpfen. So wurde mit einigen Gläsern Champagner angestoßen und „AUSTRALIAN BEE GEES“ geboren.

„AUSTRALIAN BEE GEES“ bietet dem Publikum mit der „Bee Gees-SHOW“ ein unvergessliches Erlebnis voller magischer Momente. Diesen hochtalentierten Musikern zuzusehen und zuzuhören, gibt wirklich jedem das Gefühl, ein Bee Gees-Konzert live zu erleben. In der Show lassen „AUSTRALIAN BEE GEES“ sowohl die Bee Gees-Klassiker aus den 60igern und 70igern als auch viele denkwürdige Momente der „One Night Only“-Konzerte wiederaufleben. „AUSTRALIAN BEE GEES“  überzeugte auch die offiziellen Bee Gees-Fan Clubs weltweit. Seit mehr als 3 Jahren gastiert die Band in LAS VEGAS, im Excalibur Casino.

„AUSTRALIAN BEE GEES“  haben ihre unvergleichliche Show schon in zahlreichen Ländern gespielt, u.a. in Australien, Neuseeland, den USA, Kananda, Brasilien, Deutschland, Malaysia, Singapur, Thailand, auf den Philippinen, China, Indonesien, Vereinigte Arabische Emirate und Bahrain. Und obwohl das Reisen manchmal sehr anstrengend sein kann, liebt es die Band vor immer neuen Gesichtern weltweit aufzutreten.

Verpassen Sie nicht die Chance, die Story der legendären Bee Gees mit „AUSTRALIAN BEE GEES“ zu erleben.

Unvergesslich werden Menschen, die uns ihre Geschichten erzählen. Ob in einer argentinischen Tangobar oder auf der ganz großen Bühne; die Kulturbotschafter Argentiniens Nicole Nau & Luis Pereyra tanzen Geschichten, die keiner Worte bedürfen. Ihre Tänze sind Poesie.

Dieses Jahr beglücken sie uns mit einer ihrer großen Kompanien;

8 Künstler werden auf der Bühne zu sehen sein.

Er wurde geboren in Santiago und ist seit 40 Jahren auf allen großen Bühnen der Welt zu Hause. Sie ist seit 24 Jahren Wahlargentinierin und auf 2 Briefmarken der argentinischen Post verewigt.

Nicole Nau & Luis Pereyra tanzen den Schmerz, die Hoffnung, die Freude und die Kraft Ihres Volkes; man spürt ihre Liebe und Verbundenheit zum Land.

Das Paar vermittelt mit tänzerischer Artistik, Eleganz und Sinnlichkeit die Lebensnähe, der inzwischen zum Weltkulturerbe avancierten Kunstform. Von den Zehenspitzen bis zu den Haarwurzeln - Tangofieber pur!

Ihre atemberaubenden Performances machten sie berühmt. „Doch die hohe Kunst der beiden liegt nicht in losgelöster Virtuosität, sondern in der vollkommenen Harmonie, mit der ihr Tanz die Musik interpretiert und zu einer Einheit verschmilzt.“ (Zitat RGA)

Jeden Tanz führen sie musikalisch zum Höhepunkt.

Die Show mit dem Gänsehautfaktor beginnt schon mit einem rasanten Tempo. Schönheit, Perfektion, Energie und Intensität der Darbietungen ziehen den Zuschauer 100 Minuten lang in ihren Bann. Eine nicht zu übersehende Spiel-, Tanz- und Performancefreude durchdringt den Saal. Niemand kann sich dieser Energie entziehen. Das Bühnengeschehen ist so authentisch, das man das Gefühl hat, mitten in Argentinien zu sein. 

Das Programm verzichtet auf jedes Klischee, ist daher leicht, durch seine Lebendigkeit und doch dramatisch und eindringlich in seiner kulturellen Tiefe.

Musik und Tanz schaffen die Balance zwischen Bewegung und Ruhe. Es entsteht Besinnung auf das Wesentliche, in einer Authentizität, die nur von einem Ausnahmekünstler, wie Luis Pereyra - als Choreograph, erzeugt werden kann.

Die Folklorepassagen sind grandios und mitreißend; ein wahrer Genuss. Gefühl und Leidenschaft sind förmlich zu spüren.

Sparsam, natürlich, mitreißend, bewegend und auf den Punkt. Keine Bewegung ist überflüssig, nichts ist zu viel und doch alles ergreifend.

Aufregende Tangos in unterschiedlichsten Facetten verzaubern den Zuschauer. Fußverspielte Milongas, Guitarra, Criolla und Bandoneón – das Instrument „par excellence“ des Tango - eine Stimme, die sich Freiheit ersingt.

Der zweite Teil der Show erfüllt vollkommen die Erwartungen, die durch die erste Hälfte entstanden sind. Lebendige Chacareras, liebevolle Zambas. Das einsame Schlagen der Caja in der Vidala. Feuriges Steppen im Tanz der Gauchos. Durch die Luft surrende Boleadoras prasseln rhythmisch auf den Boden. Dazu das Trommeln der Bombos; Luis Pereyra entfesselt hier die Energie einer Naturgewalt.

Hinreißende Kostüme - entworfen von Nicole Nau - markieren Stil- und Stimmungswechsel.

Und immer erreichen sie die Herzen der Zuschauer.

Argentinisches Flair in vollendeter Kunst.

Sie geben auf der Bühne alles und bekommen alles zurück.

Standing Ovation – Chapeau und Verneigung.

Von Kultband über Edel- bis Ostrocker: Es gibt viele Schubladen, in die diese Formation gesteckt wurde. Das Schöne daran ist, dass sich Karat diesen Einengungen nie ergeben hat. Dass die Band das eine wie das andere ist und dennoch nicht nur das eine oder andere sein wollte und will. Das wird gerade im Jubiläumsjahr 2010 deutlich. 35 Jahre Karat heißt nicht nur, zu feiern und sich feiern zu lassen. Heißt nicht nur, unvergessene Hits wie „Über sieben Brücken“, „Albatros“, „Schwanenkönig“ oder „Der blaue Planet“ zu spielen. 35 Jahre Karat bedeutet auch, Kreativität und Lust auf Neues unter Beweis zu stellen. Gleich einem Edelstein, dessen Glanz an Ewigkeit nicht verliert, durch andere Fassungen aber immer wieder lebendig und jung erscheint.

Mit ihrem aktuellen Album „Weitergeh’n“ wird die Band auch auf der Bühne zeigen, dass sie mit ihrem unverwechselbaren Stil immer auf der Höhe der Zeit ist, ohne sich dem all zu flüchtigen Zeitgeist zu unterwerfen.

Das Album ist Ausdruck lust- und kraftvoller Aufbruchsstimmung. Mit den dreizehn Songs, die ausschließlich von Martin Becker und Claudius Dreilich komponiert wurden, schlägt Karat neue Töne an, ohne jedoch seine Wurzeln zu verleugnen. So finden sich neben Rockigem wie die Single-Auskopplung „Weitergeh’n“ oder das mitreißende „Steh wieder auf“ auch Songs wie „Berlin“ oder „Für mich“ auf dem Album, die den Bogen schlagen hin zu den großen Balladen, für die Karat noch heute und zu Recht gefeiert wird. Das in den Enterprise Studios in Berlin produzierte Album markiert nicht nur das Ende einer schöpferischen Pause, sondern ist eindrucksvoller Beweis für das kreative Potential der Band.

Runde Geburtstage sind immer ein Anlass, um zurück, aber auch nach vorn zu blicken. Also los! 1974 löste das IFF einen unglaublichen Boom aus. In einer noch nicht globalisierten Welt war man komplett verblüfft, was ein kleines Land am Rande Europas an Originalität und Lebensfreude zu bieten hatte. Die Iren hatten genau das, was uns durch die industrielle Revolution und zwei Weltkriege abhanden kam. In unseren Großstädten sehnten wir uns nach einem einfacheren Leben, grünen Wiesen und ein bisschen Geselligkeit. Wir justierten unsere inneren Weltempfänger, um die ferne Stimme Irlands zu hören, die zu uns durch das IFF sprach. Seitdem wurde das IFF von circa einer Million Menschen besucht. Unter dem Synonym „voice of a nation“ hat das IFF einen wesentlichen Teil dazu beigetragen, wie positiv die „Grüne Insel“ bei uns wahrgenommen wird. 40 Jahre später ist es nicht mehr so wichtig, eine fast verloren geglaubte Kultur entdecken zu können. Trotzdem hat das IFF nichts an seiner Faszination verloren. Warum? Sie hat sich nur verlagert. Heute staunt man, dass sich Irish Folk als Musikstil nicht abgenützt und festgefahren hat. Wir blicken zurück auf 40 Jahre Innovation einer Tradition. Die Musiker/innen haben all die Jahre um neue Aussageformen gerungen, sich anderen Stilen geöffnet, die Spieltechniken verfeinert, ohne den Kern ihrer Kultur aufzugeben. Irish Folk ist quicklebendig. Und wo geht die Reise hin? Schauen wir uns in der Welt des Showbusiness einmal um. Da haben wir all die Shows, die sich „Celtic Dingsbums“ nennen. Alle werden sie nach dem Prinzip produziert: „Wie verkauft man die meisten Karten?“ Das Rezept ist immer das Gleiche: Der kleinste gemeinsame Nenner muss her und damit ist Klischees Tür und Tor geöffnet. Die teilnehmenden Künstler haben nichts mehr zu sagen, sie sind nur noch Statisten. Von der Liedauswahl über die zugehörigen Ansagen bis zur Kleidung wird ihnen alles vom Produzenten vorgegeben. Schon heute und wohl auch in der Zukunft ist das IFF eine der letzten Plattformen, wo Künstler noch frei und authentisch sein können. Genau nach solchen Künstlern mit Ecken und Kanten sucht das IFF, damit Irland in seiner ganzen kulturellen Bandbreite zu Gehör kommt. Auch deswegen heißt unsere Jubiläumstournee „Voice of a nation“.
 

Von Kultband über Edel- bis Ostrocker: Es gibt viele Schubladen, in die diese Formation gesteckt wurde. Das Schöne daran ist, dass sich Karat diesen Einengungen nie ergeben hat. Dass die Band das eine wie das andere ist und dennoch nicht nur das eine oder andere sein wollte und will. Das wird gerade im Jubiläumsjahr 2010 deutlich. 35 Jahre Karat heißt nicht nur, zu feiern und sich feiern zu lassen. Heißt nicht nur, unvergessene Hits wie „Über sieben Brücken“, „Albatros“, „Schwanenkönig“ oder „Der blaue Planet“ zu spielen. 35 Jahre Karat bedeutet auch, Kreativität und Lust auf Neues unter Beweis zu stellen. Gleich einem Edelstein, dessen Glanz an Ewigkeit nicht verliert, durch andere Fassungen aber immer wieder lebendig und jung erscheint.

Mit ihrem aktuellen Album „Weitergeh’n“ wird die Band auch auf der Bühne zeigen, dass sie mit ihrem unverwechselbaren Stil immer auf der Höhe der Zeit ist, ohne sich dem all zu flüchtigen Zeitgeist zu unterwerfen.

Das Album ist Ausdruck lust- und kraftvoller Aufbruchsstimmung. Mit den dreizehn Songs, die ausschließlich von Martin Becker und Claudius Dreilich komponiert wurden, schlägt Karat neue Töne an, ohne jedoch seine Wurzeln zu verleugnen. So finden sich neben Rockigem wie die Single-Auskopplung „Weitergeh’n“ oder das mitreißende „Steh wieder auf“ auch Songs wie „Berlin“ oder „Für mich“ auf dem Album, die den Bogen schlagen hin zu den großen Balladen, für die Karat noch heute und zu Recht gefeiert wird. Das in den Enterprise Studios in Berlin produzierte Album markiert nicht nur das Ende einer schöpferischen Pause, sondern ist eindrucksvoller Beweis für das kreative Potential der Band.

Runde Geburtstage sind immer ein Anlass, um zurück, aber auch nach vorn zu blicken. Also los! 1974 löste das IFF einen unglaublichen Boom aus. In einer noch nicht globalisierten Welt war man komplett verblüfft, was ein kleines Land am Rande Europas an Originalität und Lebensfreude zu bieten hatte. Die Iren hatten genau das, was uns durch die industrielle Revolution und zwei Weltkriege abhanden kam. In unseren Großstädten sehnten wir uns nach einem einfacheren Leben, grünen Wiesen und ein bisschen Geselligkeit. Wir justierten unsere inneren Weltempfänger, um die ferne Stimme Irlands zu hören, die zu uns durch das IFF sprach. Seitdem wurde das IFF von circa einer Million Menschen besucht. Unter dem Synonym „voice of a nation“ hat das IFF einen wesentlichen Teil dazu beigetragen, wie positiv die „Grüne Insel“ bei uns wahrgenommen wird. 40 Jahre später ist es nicht mehr so wichtig, eine fast verloren geglaubte Kultur entdecken zu können. Trotzdem hat das IFF nichts an seiner Faszination verloren. Warum? Sie hat sich nur verlagert. Heute staunt man, dass sich Irish Folk als Musikstil nicht abgenützt und festgefahren hat. Wir blicken zurück auf 40 Jahre Innovation einer Tradition. Die Musiker/innen haben all die Jahre um neue Aussageformen gerungen, sich anderen Stilen geöffnet, die Spieltechniken verfeinert, ohne den Kern ihrer Kultur aufzugeben. Irish Folk ist quicklebendig. Und wo geht die Reise hin? Schauen wir uns in der Welt des Showbusiness einmal um. Da haben wir all die Shows, die sich „Celtic Dingsbums“ nennen. Alle werden sie nach dem Prinzip produziert: „Wie verkauft man die meisten Karten?“ Das Rezept ist immer das Gleiche: Der kleinste gemeinsame Nenner muss her und damit ist Klischees Tür und Tor geöffnet. Die teilnehmenden Künstler haben nichts mehr zu sagen, sie sind nur noch Statisten. Von der Liedauswahl über die zugehörigen Ansagen bis zur Kleidung wird ihnen alles vom Produzenten vorgegeben. Schon heute und wohl auch in der Zukunft ist das IFF eine der letzten Plattformen, wo Künstler noch frei und authentisch sein können. Genau nach solchen Künstlern mit Ecken und Kanten sucht das IFF, damit Irland in seiner ganzen kulturellen Bandbreite zu Gehör kommt. Auch deswegen heißt unsere Jubiläumstournee „Voice of a nation“.
 

Seit fünfzehn Jahren begeistert Lord of the Dance die Menschen in aller Welt. Rund um den Globus geht der Siegeszug der spektakulären Stepp-Show. Sensationelle 3,7 Millionen Zuschauer allein im deutschsprachigen Raum, über 75 Millionen international, machen Lord of the Dance konkurrenzlos zum populärsten Showereignis der Gegenwart. Mehr als 800 Aufführungen nur in Deutschland, Österreich und der Schweiz demonstrieren den einzigartigen Erfolg der irischen Stepp-Revolutionäre. Dennoch kennt der Enthusiasmus des Publikums keine Grenzen! 50 Shows umfasst die Jubiläumstour von Lord of the Dance vom 25. Oktober bis 21. Dezember 2013. Die riesige Fangemeinde freut sich schon auf das Wiedersehen mit dieser faszinierenden Produktion und ihren herausragenden Tänzern, die zum Kultereignis aufgestiegen ist.Lord of the Dance zeigt eine neue Entertainment-Dimension auf. Das „Klacken der Killerhacken“ erlebte einen Triumph ohne Beispiel. Die geniale Synthese aus Tanz, Folklore und Show, die sich vom Geheimtipp zum phänomenalen Publikumsmagneten entwickelte, gilt als das heißeste Konzertticket der Showgeschichte.Stepp wie Donnerhall“ oder „furios und überzeugend“ lauteten zwei beispielhafte Schlagzeilen, während an anderer Stelle ein „titanenhafter Auftritt mit Können, Kunst und Körper“ gerühmt wurde. Die anglo-amerikanischen Medien benutzten Superlativen wie „Weltweit die Besten“ (Los Angeles Times), „Unfassbar“ (Time Magazine) und „Die Welt liegt ihnen zu Füßen“ (New York Times).Lord of the Dance ließ in der Publikumsgunst alle anderen Highlights des Showbusiness, des Entertainment, der Rock- und Popmusik weit hinter sich. Die mit audiovisueller Opulenz ausgestattete Show verbindet Folklore, Hi-Tech-Popart sowie irisch-amerikanischen Stepptanz mit Flamenco-Affinität zu einer rhythmischen, melodischen und optischen Revue, die ihresgleichen sucht. Ein engagiertes Ensemble versetzt mit seiner Performance die Zuschauer stets in euphorische StimmungShow-Erfinder und Super-Stepper Michael Flatley konzentriert sich bis auf wenige Ausnahmen weitgehend auf seine Arbeit als Regisseur und Choreograph. Mit alternierenden Stepp-Stars in den Hauptrollen behielt Lord of the Dance stets Faszination und Format bei, wie zahlreiche Welttourneen immer wieder unter Beweis stellten. Bei der bevorstehenden Tournee wird Michael Flatley nicht persönlich auftreten.

Wie kann man am schönsten in den 1. Advent reinfeiern? Ganz klar auf der großen "Suberg´s ü30 Party". Tanzen, Flirten, Entspannen und das unter Gleichgesinnten der Generation 30 plus. Überdrehte Teenies sind hier ganz sicher Fehlanzeige. Neben einem fantastischen Sound- und Lichtsystem, kann man fünf verschiedene Tanzbereiche erleben: Von aktuellen Charts über angesagten Clubsound bis hin zu Schlagern und Oldies. Dieses mal sorgt DJ El Thorito im Salsa Latina-Bereich wieder für heiße Beats und Rhythmen, die uns die kalte Jahreszeit schnell vergessen lassen. Freuen Sie sich außerdem auf das unschlagbare Revoluzzer Team, Duo L.A., dem Besuch vom Weihnachtsmann und viele weitere Highlights.

Wer „Suberg's ü30 Party“ betritt, wird sich vom ersten Moment an wohl fühlen. Am 30. November öffnen sich ab 20 Uhr die Türen der StadtHalle Rostock für das unvergleichliche Ausgehspektakel. Lassen Sie sich diese stilvolle und facettenreiche Party nicht entgehen und genießen Sie mit uns zusammen einen wunderschönen Ausflug aus dem  Alltag.

Die alljährliche MDR TV-Sendung 'Fröhliche Weihnachten mit Frank' ist für viele Familien im Osten Deutschlands ein fester Bestandteil ihres kulturellen Adventskalenders und gleichzeitig Synonym für das Gefühl der Wärme, der Besinnlichkeit und der Fröhlichkeit – und genau das ist es, was jedes Jahr Tausende Konzertbesucher zu Frank Schöbels Weihnachtsprogrammen in die Konzert- und Kulturhäuser zieht.

Das Album „Weihnachten in Familie“ ist seit über 25 Jahren ein echter Klassiker - und das meistverkaufte AMIGA-Album aller Zeiten. Die legendäre Aufnahme der DFF Fernsehsendung vom 24.12. 1985, direkt aus dem Wohnzimmer von Frank Schöbel, mit seiner damaligen Frau Aurora Lacasa und ihren Kindern Dominique und Odette konnte als LP in der Ausstattung ostdeutscher Haushalte durchaus mit Waschmaschine und Kühlschrank mithalten.

Franks Schöbels weihnachtliches Konzertprogramm wird auch dieses Jahr diesem Anspruch voll gerecht werden. Mit traditionellen und neuen Liedern und den bekannten Hits aus eben diesem Album wird Frank gemeinsam mit seiner Band wieder weihnachtliches Strahlen in die Augen der Kinder, Eltern, Omas und Opas, eben seines Publikums, zaubern. Und natürlich wird spielend wieder eine schöne Weihnachtsgeschichte erzählt.

Als ganz besondere Überraschung hat er in diesem Jahr seine liebe Kollegin Monika Herz und deren Sohn David eingeladen. Über viele Jahre führten die Radiosender Monika Herz’ Lieder in ihren Hitparaden auf den ersten Plätzen. Im Fernsehen war Monika Herz quasi Dauergast. Die Auflagen ihrer Schallplattenerfolge würde man heute mit Gold und Platin dekorieren.
Gemeinsam mit ihrem Sohn David wird sie ihre großen Hits und weihnachtliche Lieder präsentieren.

Diese Show ist ein Weihnachtsprogramm für die ganze Familie, welches wie jedes Jahr weit über das Fest hinaus in den Herzen und Köpfen der Menschen nachklingen wird.

Die alljährliche MDR TV-Sendung 'Fröhliche Weihnachten mit Frank' ist für viele Familien im Osten Deutschlands ein fester Bestandteil ihres kulturellen Adventskalenders und gleichzeitig Synonym für das Gefühl der Wärme, der Besinnlichkeit und der Fröhlichkeit – und genau das ist es, was jedes Jahr Tausende Konzertbesucher zu Frank Schöbels Weihnachtsprogrammen in die Konzert- und Kulturhäuser zieht.

Das Album „Weihnachten in Familie“ ist seit über 25 Jahren ein echter Klassiker - und das meistverkaufte AMIGA-Album aller Zeiten. Die legendäre Aufnahme der DFF Fernsehsendung vom 24.12. 1985, direkt aus dem Wohnzimmer von Frank Schöbel, mit seiner damaligen Frau Aurora Lacasa und ihren Kindern Dominique und Odette konnte als LP in der Ausstattung ostdeutscher Haushalte durchaus mit Waschmaschine und Kühlschrank mithalten.

Franks Schöbels weihnachtliches Konzertprogramm wird auch dieses Jahr diesem Anspruch voll gerecht werden. Mit traditionellen und neuen Liedern und den bekannten Hits aus eben diesem Album wird Frank gemeinsam mit seiner Band wieder weihnachtliches Strahlen in die Augen der Kinder, Eltern, Omas und Opas, eben seines Publikums, zaubern. Und natürlich wird spielend wieder eine schöne Weihnachtsgeschichte erzählt.

Als ganz besondere Überraschung hat er in diesem Jahr seine liebe Kollegin Monika Herz und deren Sohn David eingeladen.

Über viele Jahre führten die Radiosender Monika Herz’ Lieder in ihren Hitparaden auf den ersten Plätzen. Im Fernsehen war Monika Herz quasi Dauergast. Die Auflagen ihrer Schallplattenerfolge würde man heute mit Gold und Platin dekorieren.

Gemeinsam mit ihrem Sohn David wird sie ihre großen Hits und weihnachtliche Lieder präsentieren.

Diese Show ist ein Weihnachtsprogramm für die ganze Familie, welches wie jedes Jahr weit über das Fest hinaus in den Herzen und Köpfen der Menschen nachklingen wird.

Es ist ein Schnee gefallen“ lautet das Motto der Tournee 2013 von Veronika Fischer. Bei den Gastspielen zeigt sich die erfolgreichste Interpretin der DDR so wie sie bekannt und beliebt ist: als Sängerin. Im März dieses Jahres sorgte Veronika Fischer in einem anderen Metier, jenseits des musikalischen, für Furore: als Autorin der bewegenden Autobiografie „Das Lügenlied vom Glück“ (Heyne Verlag). Diese hat sie zusammen mit dem Liedermacher Manfred Maurenbrecher verfasst und während einer Lesereise vorgestellt. Auf 368 Seiten lässt die 61-jährige ihr Leben „zwischen den Welten, im Kalten Krieg“ (Fischer)  Revue passieren.

Geboren in Wölfis/Thüringen, besteht das Jungtalent als Siebzehnjährige die Aufnahmeprüfung für ein Gesangsstudium an der Dresdner Musikhochschule. Fünf Jahre später, 1973, folgt der Abschluss mit dem Staatsexamen als Solistin für Chanson und Musical. „Vroni“ startet eine eigene Karriere als Sängerin. Veronika Fischer & Band ist mit Liedern wie „Auf der Wiese“ oder „Dass ich eine Schneeflocke wär’ “ ein einzigartiger Erfolg beschieden. Zwei Millionen Tonträger der Formation werden abgesetzt, Veronika Fischer wird zur populärsten Vocalistin der DDR. Nachdem die Repressalien in dem Land unerträglich werden, emigriert die „Künstlerin mit Haltung“ (MDR) 1981 in den Westen. Acht Jahre später, nach dem Fall der Mauer, kehrt Veronika Fischer in ihre Heimat zurück und kann dort an die alten Erfolge anknüpfen. 2011 erschien „Zeitreise“, ihr 21. Studio-Album.Auf ihren Konzerten wird sie von einem Quintett begleitet, bei dem die Mischung aus natürlicher Instrumentierung und ihrer warmen Altstimme dafür sorgen, dass die Lieder noch zusätzlich an Ausdruck sowie emotionaler Tiefe gewinnen. Der Komponist/Produzent Detlef Petersen, der für Veronika Fischer den 1990er Hit „Weit über’s Meer“ schrieb, sagt über die Musik und jene Frau, die 2011 ihr 40-jähriges Bühnenjubiläum feierte: „Veronika ist eine disziplinierte, instinktsichere Sängerin. Ihre Songs sind kein Schlager, sondern unverwechselbare, zeitlose Stücke!

Es ist ein Schnee gefallen“ lautet das Motto der Tournee 2013 von Veronika Fischer. Bei den Gastspielen zeigt sich die erfolgreichste Interpretin der DDR so wie sie bekannt und beliebt ist: als Sängerin. Im März dieses Jahres sorgte Veronika Fischer in einem anderen Metier, jenseits des musikalischen, für Furore: als Autorin der bewegenden Autobiografie „Das Lügenlied vom Glück“ (Heyne Verlag). Diese hat sie zusammen mit dem Liedermacher Manfred Maurenbrecher verfasst und während einer Lesereise vorgestellt. Auf 368 Seiten lässt die 61-jährige ihr Leben „zwischen den Welten, im Kalten Krieg“ (Fischer)  Revue passieren.

Geboren in Wölfis/Thüringen, besteht das Jungtalent als Siebzehnjährige die Aufnahmeprüfung für ein Gesangsstudium an der Dresdner Musikhochschule. Fünf Jahre später, 1973, folgt der Abschluss mit dem Staatsexamen als Solistin für Chanson und Musical. „Vroni“ startet eine eigene Karriere als Sängerin. Veronika Fischer & Band ist mit Liedern wie „Auf der Wiese“ oder „Dass ich eine Schneeflocke wär’ “ ein einzigartiger Erfolg beschieden. Zwei Millionen Tonträger der Formation werden abgesetzt, Veronika Fischer wird zur populärsten Vocalistin der DDR. Nachdem die Repressalien in dem Land unerträglich werden, emigriert die „Künstlerin mit Haltung“ (MDR) 1981 in den Westen. Acht Jahre später, nach dem Fall der Mauer, kehrt Veronika Fischer in ihre Heimat zurück und kann dort an die alten Erfolge anknüpfen. 2011 erschien „Zeitreise“, ihr 21. Studio-Album.Auf ihren Konzerten wird sie von einem Quintett begleitet, bei dem die Mischung aus natürlicher Instrumentierung und ihrer warmen Altstimme dafür sorgen, dass die Lieder noch zusätzlich an Ausdruck sowie emotionaler Tiefe gewinnen. Der Komponist/Produzent Detlef Petersen, der für Veronika Fischer den 1990er Hit „Weit über’s Meer“ schrieb, sagt über die Musik und jene Frau, die 2011 ihr 40-jähriges Bühnenjubiläum feierte: „Veronika ist eine disziplinierte, instinktsichere Sängerin. Ihre Songs sind kein Schlager, sondern unverwechselbare, zeitlose Stücke!

Es ist ein Schnee gefallen“ lautet das Motto der Tournee 2013 von Veronika Fischer. Bei den Gastspielen zeigt sich die erfolgreichste Interpretin der DDR so wie sie bekannt und beliebt ist: als Sängerin. Im März dieses Jahres sorgte Veronika Fischer in einem anderen Metier, jenseits des musikalischen, für Furore: als Autorin der bewegenden Autobiografie „Das Lügenlied vom Glück“ (Heyne Verlag). Diese hat sie zusammen mit dem Liedermacher Manfred Maurenbrecher verfasst und während einer Lesereise vorgestellt. Auf 368 Seiten lässt die 61-jährige ihr Leben „zwischen den Welten, im Kalten Krieg“ (Fischer)  Revue passieren.

Geboren in Wölfis/Thüringen, besteht das Jungtalent als Siebzehnjährige die Aufnahmeprüfung für ein Gesangsstudium an der Dresdner Musikhochschule. Fünf Jahre später, 1973, folgt der Abschluss mit dem Staatsexamen als Solistin für Chanson und Musical. „Vroni“ startet eine eigene Karriere als Sängerin. Veronika Fischer & Band ist mit Liedern wie „Auf der Wiese“ oder „Dass ich eine Schneeflocke wär’ “ ein einzigartiger Erfolg beschieden. Zwei Millionen Tonträger der Formation werden abgesetzt, Veronika Fischer wird zur populärsten Vocalistin der DDR. Nachdem die Repressalien in dem Land unerträglich werden, emigriert die „Künstlerin mit Haltung“ (MDR) 1981 in den Westen. Acht Jahre später, nach dem Fall der Mauer, kehrt Veronika Fischer in ihre Heimat zurück und kann dort an die alten Erfolge anknüpfen. 2011 erschien „Zeitreise“, ihr 21. Studio-Album.Auf ihren Konzerten wird sie von einem Quintett begleitet, bei dem die Mischung aus natürlicher Instrumentierung und ihrer warmen Altstimme dafür sorgen, dass die Lieder noch zusätzlich an Ausdruck sowie emotionaler Tiefe gewinnen. Der Komponist/Produzent Detlef Petersen, der für Veronika Fischer den 1990er Hit „Weit über’s Meer“ schrieb, sagt über die Musik und jene Frau, die 2011 ihr 40-jähriges Bühnenjubiläum feierte: „Veronika ist eine disziplinierte, instinktsichere Sängerin. Ihre Songs sind kein Schlager, sondern unverwechselbare, zeitlose Stücke!

Alle Jahre wieder um die Feiertage kommen die schönsten Weihnachtslieder zu neuen Ehren. Jedes Mal pünktlich zum Advent gibt es eine Vielzahl von Weihnachts-Tournee- Programmen. Während sich Populärmusiker aus dem Bereichen Schlager, Volksmusik, Country bis hin zur Pop- und Rockmusik mit Konzerten zur Heiligen Nacht mühen, sind es letztlich die ‚Klassiker’, zu den es das Volk immer noch am häufigsten zieht. Das Künstlerensemble lässt die herrlichen Werke der großen Komponisten wieder aufleben   und zeigt, dass diese Musik - vorausgesetzt sie wird meisterlich präsentiert - nichts von ihrer Popularität und Zugkraft verloren hat.

Im Verlaufe des Programms ZAUBERHAFTE WEIHNACHT wird eine Auswahl der bekann- testen Festtagsweisen dargeboten. Das Programm enthält bekannte Duette und Lieder, wie   „Ave Maria“, „Es ist ein Ros' entsprungen“, „Adeste fideles“, „Leise rieselt der Schnee“, „Oh, du Fröhliche“, „The First Nowel“, „O Tannenbaum“, „Gloria in Excelcis Deo“, „Süßer die Glocken nie klingen“, „Eine kleine Nachtmusik“ „Stille Nacht, heilige Nacht“.

Die Tenöre Vittorio Savary und Rolf Hartge, sowie die bekannte Sopranistin Leanan de Montiel bieten eine gelungene Mischung klassischer und zeitgenössischer Weihnachts-melodien, die durch ihr Stimmvolumen eine perfekte Interpretation erfahren. Leanan de Montiel schlüpft als Solistin, sowie auch als Duettpartnerin in immer neue Rollen. Mit furiosen Koloraturen, strahlenden Höhen und ihrer sympathischen Ausstrahlung ist sie ein Edelstein des Programms. Drei ineinander verwobene Stimmen werden zu einer ganz neuen „vierten“ Stimme und nicht selten läuft dem Zuhörer der sprichwörtliche Schauer über den Rücken. Die erstklassigen Solisten sind allesamt gefeierte Stars an renommierten Häusern.

Die Solisten werden vom „METROPOLITAN CHAMBER ORCHESTRA“ begleitet. Das breitgefächerte Repertoire des Orchesters erstreckt sich von der klassisch-romantischen und modernen Sinfonik, über Oper und Operette, bis hin zum Musical.

Das Corps de Ballet, ein Quartett bestehend aus den besten Balletttänzerinnen vom National Theater Prag, unter der Leitung von Daniela Pok, wird die schönsten Tanzszenen u.a. aus „Schwanensee“, „Hänsel und Gretel“ und „Nußknacker“ darbieten.

Moderiert werden die Konzerte von Rolf Hartge, der im Verlaufe des Programms auch Weihnachtsgeschichten liest. Nach einem Gesangsstudium an der Musikhochschule Franz Liszt war er viele Jahre in Festengagements an namhaften Orchestern. Er hat sich seit 1980 als Starparodist und Conferencier auf den Bühnen in deutschsprachigen Ländern einen hervorragenden Namen gemacht: moderierte u.a. zahlreiche Rundfunk- und Fernsehproduktionen.

Mit ihrer gelungenen Mischung aus virtuoser Gesangskunst, anmutigem Ballett und dem Talent zum humorvollen Entertainment gelingt es dem Künstlerensemble mühelos Ovationen auszulösen.

                 Da kann man den Lebkuchen- und Tannenduft schon riechen...

„Nussknacker“ - zur Handlung:

“Marie ist in freudiger Erwartung des Weihnachtsabends. Unter vielen anderen Geschenken erhält sie vom alten, geheimnisumwitterten Onkel Drosselmeier nebst einer tanzenden, mechanischen Figur auch einen Nussknacker, der Maries kindliche Phantasie ganz besonders anspricht. Beglückt schläft sie mit dem Nussknacker im Arm unter dem Weihnachtsbaum ein. Sie hat einen seltsamen Traum. Onkel Drosselmeier lässt den Christbaum ins Unendliche wachsen, der Nussknacker wird lebendig…“

Die Geschichte führt den Zuschauer in das Zauberreich, wo das Gute und das Schöne herrschen und wohin man auch als Erwachsener immer wieder zurückkehren möchte. Die faszinierende Pracht von Bühnenbild und Kostümen, die märchenhafte Handlung, die Musik und der Tanz vervollständigt das vitale Werk voller Romantik und macht den Ballettabend zum wahren Fest.

Das Libretto des „Nussknackers“ basiert auf dem Märchen „Nussknacker und Mäusekönig“ von E. T. A. Hoffmann. Dieses, für den Komponisten neue Thema, die Entdeckung der Welt durch Kinder an der Schwelle zum Jugendlichen, lehnte sich an Ideen aus der sinfonischen Welt an und mündete in eine lyrisch- philosophische Dichtung. Der nach üblichen Kategorien nicht gerade umfangreiche (nur zwei Akte), als Puppenballett für Kinder konzipierte „Nussknacker“ wurde auf Grund der Bedeutung und des Reichtums seines Inhalts sowie seiner neuen Form zum Vorboten für viele Erscheinungen des russischen Balletttheaters am Anfang des 20. Jahrhunderts.

Zur Entstehungsgeschichte erzählt man sich, dass Modest Tschaikowsky das Märchen vom „Nussknacker und Mäusekönig“ des deutschen Dichters E.T.A. Hoffmann, das gerade in den letzten Jahren des 19. Jahrhunderts weltweit bekannt wurde, für die Kinder seiner Schwester zu einem Kinderzimmer-Spiel arrangierte. Der komponierende Bruder Peter Iljitsch dürfte bei diesem Familien-Idyll zugegen gewesen sein. Er berichtete darüber seinem „Dornröschen“ - Choreographen Marius Petipa. So wurde der Plan geboren, aus dieser „Nussknacker“ - Geschichte ein Ballett zu machen.

Im „Nussknacker“ findet eine neue Bilderwelt Eingang in das Ballett: Die charakteristische Zeichnung der Figur Drosselmeiers und des Königreichs der Mäuse vermittelt einen Hauch des „Schreckens“ und gleichzeitig der Ironie. Voller sinfonischer Entwicklung sind die Handlungstänze: das Wachsen der Tanne, der Schneeflockenwalzer, zwei Andante aus dem 2. Akt, die eine besondere, nur Tschaikowsky eigene Wärme, Menschlichkeit und lyrische Fülle der Gefühle ausstrahlen.

Erst mit dem Jahr 1892 - ein Jahr vor seinem Tod - uraufgeführten „Nussknacker“ hatte Tschaikowsky bei seinen Zeitgenossen endlich auch den so heiß ersehnten Erfolg als Ballettkomponist.

„Traumhafter Nussknacker... Und wenn dann solche Werke von klassischer Schönheit von erstklassigen Ensembles, wie dem russischen Nationalballett interpretiert werden, dann steht einem perfekten Erlebnis nichts mehr im Weg…

So ging nach eineinhalb Stunden eine Reise in eine traumverlorene Welt zu Ende, hoffentlich werden Menschen noch in einhundert Jahren so etwas traumhaftes, wie diesen „Nussknacker“ sehen…“ (Main Echo)

Alle Jahre wieder um die Feiertage kommen die schönsten Weihnachtslieder zu neuen Ehren. Jedes Mal pünktlich zum Advent gibt es eine Vielzahl von Weihnachts-Tournee- Programmen. Während sich Populärmusiker aus dem Bereichen Schlager, Volksmusik, Country bis hin zur Pop- und Rockmusik mit Konzerten zur Heiligen Nacht mühen, sind es letztlich die ‚Klassiker’, zu den es das Volk immer noch am häufigsten zieht. Das Künstlerensemble lässt die herrlichen Werke der großen Komponisten wieder aufleben   und zeigt, dass diese Musik - vorausgesetzt sie wird meisterlich präsentiert - nichts von ihrer Popularität und Zugkraft verloren hat.

Im Verlaufe des Programms ZAUBERHAFTE WEIHNACHT wird eine Auswahl der bekann- testen Festtagsweisen dargeboten. Das Programm enthält bekannte Duette und Lieder, wie   „Ave Maria“, „Es ist ein Ros' entsprungen“, „Adeste fideles“, „Leise rieselt der Schnee“, „Oh, du Fröhliche“, „The First Nowel“, „O Tannenbaum“, „Gloria in Excelcis Deo“, „Süßer die Glocken nie klingen“, „Eine kleine Nachtmusik“ „Stille Nacht, heilige Nacht“.

Die Tenöre Vittorio Savary und Rolf Hartge, sowie die bekannte Sopranistin Leanan de Montiel bieten eine gelungene Mischung klassischer und zeitgenössischer Weihnachts-melodien, die durch ihr Stimmvolumen eine perfekte Interpretation erfahren. Leanan de Montiel schlüpft als Solistin, sowie auch als Duettpartnerin in immer neue Rollen. Mit furiosen Koloraturen, strahlenden Höhen und ihrer sympathischen Ausstrahlung ist sie ein Edelstein des Programms. Drei ineinander verwobene Stimmen werden zu einer ganz neuen „vierten“ Stimme und nicht selten läuft dem Zuhörer der sprichwörtliche Schauer über den Rücken. Die erstklassigen Solisten sind allesamt gefeierte Stars an renommierten Häusern.

Die Solisten werden vom „METROPOLITAN CHAMBER ORCHESTRA“ begleitet. Das breitgefächerte Repertoire des Orchesters erstreckt sich von der klassisch-romantischen und modernen Sinfonik, über Oper und Operette, bis hin zum Musical.

Das Corps de Ballet, ein Quartett bestehend aus den besten Balletttänzerinnen vom National Theater Prag, unter der Leitung von Daniela Pok, wird die schönsten Tanzszenen u.a. aus „Schwanensee“, „Hänsel und Gretel“ und „Nußknacker“ darbieten.

Moderiert werden die Konzerte von Rolf Hartge, der im Verlaufe des Programms auch Weihnachtsgeschichten liest. Nach einem Gesangsstudium an der Musikhochschule Franz Liszt war er viele Jahre in Festengagements an namhaften Orchestern. Er hat sich seit 1980 als Starparodist und Conferencier auf den Bühnen in deutschsprachigen Ländern einen hervorragenden Namen gemacht: moderierte u.a. zahlreiche Rundfunk- und Fernsehproduktionen.

Mit ihrer gelungenen Mischung aus virtuoser Gesangskunst, anmutigem Ballett und dem Talent zum humorvollen Entertainment gelingt es dem Künstlerensemble mühelos Ovationen auszulösen.

                 Da kann man den Lebkuchen- und Tannenduft schon riechen...

Alle Jahre wieder um die Feiertage kommen die schönsten Weihnachtslieder zu neuen Ehren. Jedes Mal pünktlich zum Advent gibt es eine Vielzahl von Weihnachts-Tournee- Programmen. Während sich Populärmusiker aus dem Bereichen Schlager, Volksmusik, Country bis hin zur Pop- und Rockmusik mit Konzerten zur Heiligen Nacht mühen, sind es letztlich die ‚Klassiker’, zu den es das Volk immer noch am häufigsten zieht. Das Künstlerensemble lässt die herrlichen Werke der großen Komponisten wieder aufleben   und zeigt, dass diese Musik - vorausgesetzt sie wird meisterlich präsentiert - nichts von ihrer Popularität und Zugkraft verloren hat.

Im Verlaufe des Programms ZAUBERHAFTE WEIHNACHT wird eine Auswahl der bekann- testen Festtagsweisen dargeboten. Das Programm enthält bekannte Duette und Lieder, wie   „Ave Maria“, „Es ist ein Ros' entsprungen“, „Adeste fideles“, „Leise rieselt der Schnee“, „Oh, du Fröhliche“, „The First Nowel“, „O Tannenbaum“, „Gloria in Excelcis Deo“, „Süßer die Glocken nie klingen“, „Eine kleine Nachtmusik“ „Stille Nacht, heilige Nacht“.

Die Tenöre Vittorio Savary und Rolf Hartge, sowie die bekannte Sopranistin Leanan de Montiel bieten eine gelungene Mischung klassischer und zeitgenössischer Weihnachts-melodien, die durch ihr Stimmvolumen eine perfekte Interpretation erfahren. Leanan de Montiel schlüpft als Solistin, sowie auch als Duettpartnerin in immer neue Rollen. Mit furiosen Koloraturen, strahlenden Höhen und ihrer sympathischen Ausstrahlung ist sie ein Edelstein des Programms. Drei ineinander verwobene Stimmen werden zu einer ganz neuen „vierten“ Stimme und nicht selten läuft dem Zuhörer der sprichwörtliche Schauer über den Rücken. Die erstklassigen Solisten sind allesamt gefeierte Stars an renommierten Häusern.

Die Solisten werden vom „METROPOLITAN CHAMBER ORCHESTRA“ begleitet. Das breitgefächerte Repertoire des Orchesters erstreckt sich von der klassisch-romantischen und modernen Sinfonik, über Oper und Operette, bis hin zum Musical.

Das Corps de Ballet, ein Quartett bestehend aus den besten Balletttänzerinnen vom National Theater Prag, unter der Leitung von Daniela Pok, wird die schönsten Tanzszenen u.a. aus „Schwanensee“, „Hänsel und Gretel“ und „Nußknacker“ darbieten.

Moderiert werden die Konzerte von Rolf Hartge, der im Verlaufe des Programms auch Weihnachtsgeschichten liest. Nach einem Gesangsstudium an der Musikhochschule Franz Liszt war er viele Jahre in Festengagements an namhaften Orchestern. Er hat sich seit 1980 als Starparodist und Conferencier auf den Bühnen in deutschsprachigen Ländern einen hervorragenden Namen gemacht: moderierte u.a. zahlreiche Rundfunk- und Fernsehproduktionen.

Mit ihrer gelungenen Mischung aus virtuoser Gesangskunst, anmutigem Ballett und dem Talent zum humorvollen Entertainment gelingt es dem Künstlerensemble mühelos Ovationen auszulösen.

                 Da kann man den Lebkuchen- und Tannenduft schon riechen...

Die Welt im Jahr 2012 steht mal wieder kurz vorm Untergang. An den Polen schmilzt das Eis, der Kapitalismus frisst seine Kinder, die Armen werden ärmer, die Reichen reicher, wer nicht funktioniert, wird aussortiert, es gibt wieder mehr Kriege, Atomwaffen, Unterdrückung und Ausbeutung, die Menschen sind mutlos, sie haben Angst, und niemand weiß, wie‘s weitergeht. In diese Welt schickt Nena ihr neues Album und nennt es DU BIST GUT.

Was kann Musik? Im besten Fall: Wunder und Wahnsinn des Daseins in Töne und Texte fassen, Liebe geben, Lebenshilfe, Kraft, die Augen öffnen, einen Ausweg zeigen, Freude schenken und für Frieden kämpfen. So gesehen ist DU BIST GUT ein Geschenk. Nena, die erfolgreichste deutsche Sängerin seit 30 Jahren, ist mit ihrem 17. Album auf einem Höhepunkt ihres Könnens angelangt. In ihren neuen Liedern ist alles drin, was Nena ausmacht, und wenn wir leben könnten, was Nena singt, würde die Welt eine bessere werden. Sie singt vom Kleinen und vom Großen, geht ganz tief rein und ganz weit raus. Schon die erste Single, ‚Das ist nicht alles‘, ist eine Kampfansage an die Angst, die Schuldgefühle und alten Muster. Es ist ein Aufputschmittel, das sagt: Ein neues Leben ist möglich. Du kannst es! Und das zu hören, tja, tut gut. Man muss halt bei sich selber anfangen. Nur wer sich selber liebt, kann Liebe geben. Mit dem elegant zurückgelehnten ‚Solange du dir Sorgen machst‘ bringt Nena auf den Punkt, was wir eigentlich alle wissen, aber immer wieder vergessen: Und wenn sie nach ihrem Zuhause sucht, findet sie es in sich, „Hier in mir drin“. Den Frieden, den Nena im wunderschönen ‚Im Reich meiner Mitte‘ besingt, wünscht man auch seinen Feinden. Die neuen Lieder auf DU BIST GUT strahlen Wärme aus und Weite, Herzlichkeit und Haltung, den Willen zum Weiter, den Glauben an die Möglichkeit einer bessere Welt, Menschenliebe, Weisheit, Witz und Lebenslust. Das liegt natürlich auch an der Musik. Mit ihrer dreizehnköpfigen Band und ihrem musikalischen Kompagnon Derek von Krogh hat Nena im Sommer diesen Jahres auf Island, im Studio der isländischen Band Sigur Rós, fünfzehn Songs aufgenommen, die nichts beweisen wollen und sich souverän am Reichtum der Stile bedienen. Moderne Popmusik ist das, ein Haufen Hits zwischen Gasgeben und Zurücklehnen, zwischen Aufbruch und Einkehr. Freiheitshymnen, Liebeslieder und Stadionkracher, die Verständnis schenken, ein bisschen Trost, einen Traum von einem neuen Morgen und hin und wieder einen liebevollen Tritt in den Arsch. Nun wird es sicher wieder Leute geben, die sagen, dass es Nena sich zu einfach macht, dass man mit dem Singen vom Paradies das Paradies doch nicht erzwingen kann. Klar, wir müssen weiter und konkreter über den Krieg in Syrien diskutieren, über die Schuldenkrise und das Schulsystem. Aber wollen wir auch darüber singen? Künstler sind keine Politiker. Künstler sollen Visionäre sein. Auf ihrem neuen Album erkennt Nena, die große Schwester der Nation, die Nöte der Menschen, zeigt Auswege auf und feiert ihre Utopie des Möglichen. Und genau das ist es, was uns heute fehlt: Die Idee einer besseren Welt. Alle wissen, was falsch läuft, aber niemand weiß, wie wir da wieder rauskommen. Kraft, Mut und eine Ahnung zu geben ist ein Anfang. Von hier aus geht’s weiter. Und jetzt kommst DU.

Nicht ohne Grund krönte man ihn bereits zu seinen Lebzeiten zum König des Walzers. Johann Strauß komponierte fast 500 Walzer, Märsche und Polken, die zum größten Teil Weltruhm erlangten. Die beliebtesten erklingen auch heute noch in den Konzertsälen in aller Welt. Er ist der musikalische Vater von 16 Operetten, die unsterblich geworden sind. „Die Fledermaus“, „Wiener Blut“ und „Eine Nacht in Venedig“ sind nur Beispiele.

Die Johann-Strauß-Gala möchte das kompositorische Schaffen dieses Meisters der schönen Töne ehren und mit den beliebtesten Werken aus seinem Lebenswerk das Publikum begeistern. Das Repertoire der Gala vereint Walzer, Märsche und Polken mit auserwählten Duetten und Partien aus seinen großen Operettenwerken. Wiener Hofbällen nachempfunden, verführt das Ballett das Publikum in traumhaften Tanzszenen. Das Golden Starorchester musiziert in kraftvoller Anmut und entfesselt einen Walzerrausch auf der Bühne.

Martina Haeger, Sopranistin aus Berlin, brilliert mit zauberhafter Stimme Arien aus der FLEDERMAUS und dem ZIGEUNERBARON. Die Tenorstimme von Adam Sanchez erobert Frauenherzen mit Arien wie KOMM IN DIE GONDEL oder JA, DAS ALLES AUF EHR. Beide Stimmen der Solisten des Konzertes vereinen sich bei den schönsten Duetten aus der Feder des großen Meisters Johann Strauß. Michael Seeboth führt durch das Programm, der einschlägige Galas beim WDR oder ZDF als Schauspieler und Sprecher erfolgreich moderierte.

Die Welt im Jahr 2012 steht mal wieder kurz vorm Untergang. An den Polen schmilzt das Eis, der Kapitalismus frisst seine Kinder, die Armen werden ärmer, die Reichen reicher, wer nicht funktioniert, wird aussortiert, es gibt wieder mehr Kriege, Atomwaffen, Unterdrückung und Ausbeutung, die Menschen sind mutlos, sie haben Angst, und niemand weiß, wie‘s weitergeht. In diese Welt schickt Nena ihr neues Album und nennt es DU BIST GUT.

Was kann Musik? Im besten Fall: Wunder und Wahnsinn des Daseins in Töne und Texte fassen, Liebe geben, Lebenshilfe, Kraft, die Augen öffnen, einen Ausweg zeigen, Freude schenken und für Frieden kämpfen. So gesehen ist DU BIST GUT ein Geschenk. Nena, die erfolgreichste deutsche Sängerin seit 30 Jahren, ist mit ihrem 17. Album auf einem Höhepunkt ihres Könnens angelangt. In ihren neuen Liedern ist alles drin, was Nena ausmacht, und wenn wir leben könnten, was Nena singt, würde die Welt eine bessere werden. Sie singt vom Kleinen und vom Großen, geht ganz tief rein und ganz weit raus. Schon die erste Single, ‚Das ist nicht alles‘, ist eine Kampfansage an die Angst, die Schuldgefühle und alten Muster. Es ist ein Aufputschmittel, das sagt: Ein neues Leben ist möglich. Du kannst es! Und das zu hören, tja, tut gut. Man muss halt bei sich selber anfangen. Nur wer sich selber liebt, kann Liebe geben. Mit dem elegant zurückgelehnten ‚Solange du dir Sorgen machst‘ bringt Nena auf den Punkt, was wir eigentlich alle wissen, aber immer wieder vergessen: Und wenn sie nach ihrem Zuhause sucht, findet sie es in sich, „Hier in mir drin“. Den Frieden, den Nena im wunderschönen ‚Im Reich meiner Mitte‘ besingt, wünscht man auch seinen Feinden. Die neuen Lieder auf DU BIST GUT strahlen Wärme aus und Weite, Herzlichkeit und Haltung, den Willen zum Weiter, den Glauben an die Möglichkeit einer bessere Welt, Menschenliebe, Weisheit, Witz und Lebenslust. Das liegt natürlich auch an der Musik. Mit ihrer dreizehnköpfigen Band und ihrem musikalischen Kompagnon Derek von Krogh hat Nena im Sommer diesen Jahres auf Island, im Studio der isländischen Band Sigur Rós, fünfzehn Songs aufgenommen, die nichts beweisen wollen und sich souverän am Reichtum der Stile bedienen. Moderne Popmusik ist das, ein Haufen Hits zwischen Gasgeben und Zurücklehnen, zwischen Aufbruch und Einkehr. Freiheitshymnen, Liebeslieder und Stadionkracher, die Verständnis schenken, ein bisschen Trost, einen Traum von einem neuen Morgen und hin und wieder einen liebevollen Tritt in den Arsch. Nun wird es sicher wieder Leute geben, die sagen, dass es Nena sich zu einfach macht, dass man mit dem Singen vom Paradies das Paradies doch nicht erzwingen kann. Klar, wir müssen weiter und konkreter über den Krieg in Syrien diskutieren, über die Schuldenkrise und das Schulsystem. Aber wollen wir auch darüber singen? Künstler sind keine Politiker. Künstler sollen Visionäre sein. Auf ihrem neuen Album erkennt Nena, die große Schwester der Nation, die Nöte der Menschen, zeigt Auswege auf und feiert ihre Utopie des Möglichen. Und genau das ist es, was uns heute fehlt: Die Idee einer besseren Welt. Alle wissen, was falsch läuft, aber niemand weiß, wie wir da wieder rauskommen. Kraft, Mut und eine Ahnung zu geben ist ein Anfang. Von hier aus geht’s weiter. Und jetzt kommst DU.

World Wide Events ist es gelungen, mit MUSICAL STARNIGHTS eine der am aufwendigsten inszenierten Musical-­‐Produktionen der Welt nach Deutschland zu holen. Mit Top-­‐Solisten,  unterstützt von zahlreichen Tänzern und einem Live-­‐Orchester   besetzt  durch  weltweit  renommierten  Musiker,  wird  dem Publikum beste Unterhaltung auf höchstem Niveau geboten.
 
Sämtliche  Mitglieder  des  Ensembles  sind  am  Londoner  West  End  persönlich von Deborah Sasson gecastet worden. Die international mehrfach ausgezeichnete Opernsängerin und selbst Hauptdarstellerin in der weltweit erfolgreichen  Musical-­‐Produktion   „Das  Phantom  der  Oper“  weiß  genau, worauf es in Gesang und Performance ankommt. „Ich habe lange Zeit am Broadway gespielt und in meiner langen Karriere mit vielen hervorragenden Sängern zusammen gearbeitet. Ich bin sehr stolz darauf, dass wir für MUSICAL STARNIGHTS die besten Musical-­‐Darsteller des Londoner West End gewinnen konnten“, hebt die gebürtige Amerikanerin die Hochwertigkeit der Produktion hervor.
 
Über 250 farbenprächtige Kostüme, akrobatische Tanzeinlagen und eindrucksvolle Videoproduktionen entführen den Zuschauer in die phantastische Welt des Musicals. Angereichert mit Anekdoten und Hintergrundinformationen in einer kurzweiligen Moderation, erlebt der Zuschauer  an  einem  einzigen  Abend  eine  Zeitreise  durch  über  50  Jahre Musical-­‐Geschichte. Von „Cats“ über „Phantom der Oper“ und „König der Löwen“ bis „Dirty Dancing“ – in einer spektakulären Show präsentiert World Wide  Events  die  größten  Musical  Highlights  mit  den  bekanntesten  und erfolgreichsten Hits der besten Musicals der Welt.

Dr. Mark Benecke ist Vorsitzender der Deutschen Dracula Gesellschaft. Er ist Mitglied des Komitees des Nobelpreises für kuriose, wissenschaftliche Forschungen. Außerdem ist er ein erfolgreicher Autor, Politiker, Donaldist, er ist der bekannteste Kriminalbiologe der Welt und er ist Spezialist für forensische Entomologie (Insektenkunde). Sein Aufgabengebiet: fast aussichtslose Mordfälle. Wenn kein Ausweg mehr zu sehen ist, wird Mark Benecke gerufen. Jeder Tatort ist eine Fundgrube an Beweisen. Man sieht sie nicht auf den ersten Blick, aber seine Helfer, die Maden und Fliegen, können wichtige Antworten geben. Nicht der Tod ist Benecke’ s Job, sondern das Leben nach dem Tod. Wenn Maden den Mörder entlarven, hat Benecke alles richtig gemacht. Selbst kleinste Lebewesen auf der Leiche können den entscheidenden Hinweis zur Aufklärung geben. Einen perfekten Mord gibt es nicht, denn Insekten schlafen nie.

Dr. Mark Benecke ist weltweit bei der Polizei gefragt. Er versteht es meisterhaft, dem interessierten Laien sein Fachwissen verständlich zu vermitteln, indem er Vorträge einem breiten Publikum erschließt. Am Anfang eines Infotainment Abend können die Zuschauer selber entscheiden, über welche spannenden Fälle er berichten soll. Ekel ist hier fehl am Platz, denn Benecke besticht durch Präzision und Einfühlungsvermögen. Der Zuschauer bekommt einen Einblick in die Arbeit eines der bekanntesten und erfolgreichsten Kriminalbiologen unserer Zeit.

Zahlreiche Fernsehauftritte haben ihn weit über die Grenzen bekannt gemacht (Johannes B. Kerner, ZDF / TV TOTAL, Pro Sieben / Stern TV, RTL / Autopsie). Nicht nur Spezialsendungen sehen ihn gerne als Gast. Auch in den Unterhaltungsshows ist er häufig zu sehen: ARD (Hart aber fair), WDR (Kölner Treff), SAT1 (Oliver Pocher Show), PRO7 (Stammgast bei TV Total) und viele mehr. Seine Bücher sind weit über die Grenzen bekannt. „Die Dunkelkammer des Bösen“ gibt vielseitige und interessante Aufschlüsse über bekannte Serienmörder und zeigt Profile diverser Täter auf. Dr. Mark Benecke ist so vielseitig wie kein anderer. Jeder Infotainment Abend mit ihm bringt Überraschungen und fesselt den Zuschauer mit für ihn unbekannter Materie.

Dr. Mark Benecke ist Vorsitzender der Deutschen Dracula Gesellschaft. Er ist Mitglied des Komitees des Nobelpreises für kuriose, wissenschaftliche Forschungen. Außerdem ist er ein erfolgreicher Autor, Politiker, Donaldist, er ist der bekannteste Kriminalbiologe der Welt und er ist Spezialist für forensische Entomologie (Insektenkunde). Sein Aufgabengebiet: fast aussichtslose Mordfälle. Wenn kein Ausweg mehr zu sehen ist, wird Mark Benecke gerufen. Jeder Tatort ist eine Fundgrube an Beweisen. Man sieht sie nicht auf den ersten Blick, aber seine Helfer, die Maden und Fliegen, können wichtige Antworten geben. Nicht der Tod ist Benecke’ s Job, sondern das Leben nach dem Tod. Wenn Maden den Mörder entlarven, hat Benecke alles richtig gemacht. Selbst kleinste Lebewesen auf der Leiche können den entscheidenden Hinweis zur Aufklärung geben. Einen perfekten Mord gibt es nicht, denn Insekten schlafen nie.

Dr. Mark Benecke ist weltweit bei der Polizei gefragt. Er versteht es meisterhaft, dem interessierten Laien sein Fachwissen verständlich zu vermitteln, indem er Vorträge einem breiten Publikum erschließt. Am Anfang eines Infotainment Abend können die Zuschauer selber entscheiden, über welche spannenden Fälle er berichten soll. Ekel ist hier fehl am Platz, denn Benecke besticht durch Präzision und Einfühlungsvermögen. Der Zuschauer bekommt einen Einblick in die Arbeit eines der bekanntesten und erfolgreichsten Kriminalbiologen unserer Zeit.

Zahlreiche Fernsehauftritte haben ihn weit über die Grenzen bekannt gemacht (Johannes B. Kerner, ZDF / TV TOTAL, Pro Sieben / Stern TV, RTL / Autopsie). Nicht nur Spezialsendungen sehen ihn gerne als Gast. Auch in den Unterhaltungsshows ist er häufig zu sehen: ARD (Hart aber fair), WDR (Kölner Treff), SAT1 (Oliver Pocher Show), PRO7 (Stammgast bei TV Total) und viele mehr. Seine Bücher sind weit über die Grenzen bekannt. „Die Dunkelkammer des Bösen“ gibt vielseitige und interessante Aufschlüsse über bekannte Serienmörder und zeigt Profile diverser Täter auf. Dr. Mark Benecke ist so vielseitig wie kein anderer. Jeder Infotainment Abend mit ihm bringt Überraschungen und fesselt den Zuschauer mit für ihn unbekannter Materie.

Dr. Mark Benecke ist Vorsitzender der Deutschen Dracula Gesellschaft. Er ist Mitglied des Komitees des Nobelpreises für kuriose, wissenschaftliche Forschungen. Außerdem ist er ein erfolgreicher Autor, Politiker, Donaldist, er ist der bekannteste Kriminalbiologe der Welt und er ist Spezialist für forensische Entomologie (Insektenkunde). Sein Aufgabengebiet: fast aussichtslose Mordfälle. Wenn kein Ausweg mehr zu sehen ist, wird Mark Benecke gerufen. Jeder Tatort ist eine Fundgrube an Beweisen. Man sieht sie nicht auf den ersten Blick, aber seine Helfer, die Maden und Fliegen, können wichtige Antworten geben. Nicht der Tod ist Benecke’ s Job, sondern das Leben nach dem Tod. Wenn Maden den Mörder entlarven, hat Benecke alles richtig gemacht. Selbst kleinste Lebewesen auf der Leiche können den entscheidenden Hinweis zur Aufklärung geben. Einen perfekten Mord gibt es nicht, denn Insekten schlafen nie.

Dr. Mark Benecke ist weltweit bei der Polizei gefragt. Er versteht es meisterhaft, dem interessierten Laien sein Fachwissen verständlich zu vermitteln, indem er Vorträge einem breiten Publikum erschließt. Am Anfang eines Infotainment Abend können die Zuschauer selber entscheiden, über welche spannenden Fälle er berichten soll. Ekel ist hier fehl am Platz, denn Benecke besticht durch Präzision und Einfühlungsvermögen. Der Zuschauer bekommt einen Einblick in die Arbeit eines der bekanntesten und erfolgreichsten Kriminalbiologen unserer Zeit.

Zahlreiche Fernsehauftritte haben ihn weit über die Grenzen bekannt gemacht (Johannes B. Kerner, ZDF / TV TOTAL, Pro Sieben / Stern TV, RTL / Autopsie). Nicht nur Spezialsendungen sehen ihn gerne als Gast. Auch in den Unterhaltungsshows ist er häufig zu sehen: ARD (Hart aber fair), WDR (Kölner Treff), SAT1 (Oliver Pocher Show), PRO7 (Stammgast bei TV Total) und viele mehr. Seine Bücher sind weit über die Grenzen bekannt. „Die Dunkelkammer des Bösen“ gibt vielseitige und interessante Aufschlüsse über bekannte Serienmörder und zeigt Profile diverser Täter auf. Dr. Mark Benecke ist so vielseitig wie kein anderer. Jeder Infotainment Abend mit ihm bringt Überraschungen und fesselt den Zuschauer mit für ihn unbekannter Materie.

Die legendäre »MS Cook« hat auf ihrer Weltreise zahlreiche Hits im Gepäck. In den letzten Jahren etablierte sich die Formation in den größten Konzertsälen Deutschlands und begeistert mit ihrem breit gefächerten Programm Jung bis Alt. Das Thema Fernweh hat Musiker aus aller Herren Länder über viele Generationen begleitet. In Deutschland war es über vier Jahrzehnte das beherrschende Thema der Schlagerwelt.

»Captain Cook und seine singenden Saxophone« bieten in ihrer neuen Bühnenshow wieder eine Vielfalt der größten Hits vom Schlager bis hin zu gefühlvollen Balladen. Erfolgsproduzent Günther Behrle hat für die neue CD neben eigenen Kompositionenauch absolute Evergreens für die Tournee zusammengestellt die von dem Captain und seiner Crew gewohnt professionell zelebriert werden.

Günther Behrle und Captain Cook und seine singenden Saxophone freuen sich auf Sie und wünschen vorab schon viel Spaßt und gute Unterhaltung bei einer Kreuzfahrt mit der »MS Cook« durch die Welt der Musik.

Das ist eine Musikproduktion der Topklasse. Wer träumt nicht gern von der guten, alten Jugendzeit?! Wir waren jung, verliebt, voller Tatendrang und wollten die Welt kennenlernen. Wir hörten, sahen und liebten unsere Musikhelden, die uns auf diesem Weg begleiteten, deren Songs wir täglich überall hörten, deren Musik, Kleidung, Leben ganz anders war als das, was uns unsere Eltern vorlebten! Die Welt gehörte uns! Wir hatten Bravo -Starschnitte von unseren Helden an den Wänden unserer Zimmer, lasen täglich alles über sie, sahen alle Fernsehshows, in denen sie auftraten, verpassten keine "Disco" mit Ilja Richter im ZDF, hatten sämtliche Schallplatten in den Schränken, um sie auf unseren portablen Mono-Plattenspielern zu legen oder nahmen alle RTL Luxemburg Sendungen über unseren portablen Mono -Cassettenrecorder auf und hörten auf jeder (Schul-)Fete deren große Hits wie „Glas of Champagne“, „Soley, Soley“, „Chirpy Chirpy Cheep Cheep“, „Here It Comes Again“, die damals um die Welt gingen und so Mancher schwofte beim ersten Kuss dazu, im Discolicht. Diese Helden haben unser Leben begleitet, unser Leben geprägt! Ihre damaligen Welthits sind heute legendär und immer noch Bestandteil jedes Radiosenders, vieler TV-(Oldie)Shows oder vieler Partys!

Jeder kennt sie: Die großen Hits, die großen Bands, die großen Sänger/-innen von damals... Wir haben sie über all die Jahre nie vergessen, erinnern uns immer gern an sie, haben mit ihnen soviel Schönes erlebt, kennen immer noch jede Strophe, jeden Refrain. Das sind unsere wirklichen Superstars von damals!

Jetzt kommen diese Stars in die kleinen Hallen und Theater. Dieses Konzept geht auf, hier wirkt alles familiär, alle Künstler geben Autogramme und es ist ein schönes gemütliches Lebensgefühl. Hartmut Schulze Gerlach, der MDR/ARD TV Starmoderator hat mit seiner TV Show "DAMALS WARS" viele Millionen Menschen vor dem Fernseher gebannt! "Damals war’s" ist mittlerweile eine TV-Show-Institution, eine TV-Legende!
 

Eine aufwändige Inszenierung in Originalfassung mit großem Orchester, Ballett, Chor und Solisten. Prunkvolle Kostüme und ein imposantes Bühnenbild zum großen Jubiläum des unvergessenen Giuseppe Verdi.

200. Geburtstag des Meisters großer Opernwerke – die Jubiläumstour in Deutschland

NABUCCO gehört seit her zu den monumentalen Opernaufführungen aller großen Konzert- und Theaterhäuser. Auch diese Inszenierung beweist die Unvergänglichkeit dieses gigantischen Werkes in einer unverwechselbaren Aufführung, welche bereits triumphale Begeisterungsstürme beim Publikum weckte. Das imposante Bühnenbild, den Originalschauplätzen im Detail nachempfunden, bildet den optischen Rahmen für fast 100 Akteure auf der Bühne, die in aufwendigem Kostümwechsel dieses Werk in Szene setzen. Hervorragende Starsolisten mit besten Referenzen großer Opernaufführungen zelebrieren dieses Werk in vollendeter Meisterschaft. Diese Inszenierung versetzt den Zuschauer in das Zeitgeschehen um Verdis kompositorisches Schaffen. Blicken wir zurück wie alles begann: Das Jahr 1842 soll für den Italiener Giuseppe Francesco Verdi der Durchbruch als Opernkomponist werden. Selbst persönlich in einer Lebenszeit tiefgreifender Schicksalsschläge gelang mit der Oper NABUCCO sein erstes großes Werk als Opernkomponist. NABUCCO wurde zu einem rauschenden Triumph. Verdi, selbst Anhänger der italienischen Einigungsbewegung, hatte den Nerv seiner Landsleute mit diesem Thema getroffen. Seine Musik setzte Emotionen frei und begeisterte bald das Publikum. Die Oper eroberte alle großen Opernbühnen Europas und setzte ihren Siegeszug bis in unsere Tage fort. Mit NABUCCO gelang Verdi ein Werk mitreißender musikalischer Kraft, getragen von großen Gefühlen wie Liebe, Eifersucht aber auch Hass und Irrtum. Das dramatische Geschehen zieht Parallelen zum Widerstand gegen vielfache Fremdherrschaft, der Sehnsucht nach nationaler Selbstbestimmung und der Hoffnung nach Freiheit. Der Chor in der Oper „Va, pensiero, sullàli dorate“ auch oft Gefangenen oder Freiheitschor genannt, gehört zu den populärsten Musiknummern der Operngeschichte und gilt als Fanal für den Freiheitskampf auch späterer Generationen und Völker. Man nennt diese Melodie auch die zweite italienische Nationalhymne, so eng hatte sich das italienische Volk mit dem Werk verbunden. Selten wurde mit den Mitteln der Musik in der Form ein Zeichen des Protestes gegen Tyrannei und politischer Willkür gesetzt. Nach seinem triumphalen Opernerfolg gelangen Verdi weitere Werke mit epochalem Hintergrund und meisterhafter kompositorischer Größe. Die Opernliteratur bestimmen bis in unsere Tage Werke wie „RIGOLETTO“, „AIDA“ oder „LA TRAVIATA“.

Im Jahr 2013 begeht die Musikwelt den 200. Geburtstag des Giuseppe Francesco Verdi, der in einfachen Verhältnissen im Herzogtum Parma geboren wurde und bald durch sein überdurchschnittliches musikalisches Talent das Interesse privater Förderer fand. Auf Augenhöhe wird Verdi auch als Gegenspieler Richard Wagners genannt. Beide im gleichen Jahr geboren, prägten ohne jeden Zweifel die Musikgeschichte ihres Jahrhunderts. Ihre Werke gehören zur Opernkultur von Generationen und belegen einen Hauch von Unvergänglichkeit. Mit Verdis NABUCCO verbindet sich stets ein neuer Zeitgeist, der aber in sich immer den Grundgedanken nach Freiheit und Unabhängigkeit vereint.

Seine unverwechselbare Stimme wird es in der Rockgeschichte nur einmal geben – Freddie Mercury, charismatischster Frontmann des Rock und Leadsänger der Rockgruppe Queen wäre im letzten Jahr 65 geworden. Queen war und ist heute immer noch eine der legendärsten Bands der Welt mit einer beispiellosen Karriere, die schon vor dem frühen Tod von Freddie Mercury 1991 Kultstatus erreichte. Bei Titeln wie „Another One Bites The Dust“, „A Kind Of Magic“, „We Will Rock You“ oder „Radio Ga Ga“ hat jeder schon die Melodie dieser Queen-Klassiker im Ohr.

Um diese unsterblichen Hits wieder aufleben zu lassen, präsentiert World Wide Events eine spektakuläre Bühnen-Live-Show, die bisher jeden Zuschauer faszinierte. A SPECTACULAR  NIGHT OF QUEEN nimmt sein Publikum mit auf eine musikalische Zeitreise durch die Rockgeschichte der größten Rockband aller Zeiten. Es ist die aufwendigste Tribute-to-Freddie-Mercury-Show, die es in Deutschland gibt. Mit exzellenten Bandmusikern, großem Sinfonieorchester, bezaubernder Sopranistin und herausragendem Backgroundchor.

Jeder Schritt auf der Bühne ist täuschend echt und nah am Original. Auch die Bandmitglieder sind von ihren Vorbildern kaum zu unterscheiden. Zahlreiche originalgetreue Kostüme und Requisiten lassen die legendären Queen-Konzerte lebendig werden. The Show must go on!

Die legendäre »MS Cook« hat auf ihrer Weltreise zahlreiche Hits im Gepäck. In den letzten Jahren etablierte sich die Formation in den größten Konzertsälen Deutschlands und begeistert mit ihrem breit gefächerten Programm Jung bis Alt. Das Thema Fernweh hat Musiker aus aller Herren Länder über viele Generationen begleitet. In Deutschland war es über vier Jahrzehnte das beherrschende Thema der Schlagerwelt.

»Captain Cook und seine singenden Saxophone« bieten in ihrer neuen Bühnenshow wieder eine Vielfalt der größten Hits vom Schlager bis hin zu gefühlvollen Balladen. Erfolgsproduzent Günther Behrle hat für die neue CD neben eigenen Kompositionenauch absolute Evergreens für die Tournee zusammengestellt die von dem Captain und seiner Crew gewohnt professionell zelebriert werden.

Günther Behrle und Captain Cook und seine singenden Saxophone freuen sich auf Sie und wünschen vorab schon viel Spaßt und gute Unterhaltung bei einer Kreuzfahrt mit der »MS Cook« durch die Welt der Musik.

Die legendäre »MS Cook« hat auf ihrer Weltreise zahlreiche Hits im Gepäck. In den letzten Jahren etablierte sich die Formation in den größten Konzertsälen Deutschlands und begeistert mit ihrem breit gefächerten Programm Jung bis Alt. Das Thema Fernweh hat Musiker aus aller Herren Länder über viele Generationen begleitet. In Deutschland war es über vier Jahrzehnte das beherrschende Thema der Schlagerwelt.

»Captain Cook und seine singenden Saxophone« bieten in ihrer neuen Bühnenshow wieder eine Vielfalt der größten Hits vom Schlager bis hin zu gefühlvollen Balladen. Erfolgsproduzent Günther Behrle hat für die neue CD neben eigenen Kompositionenauch absolute Evergreens für die Tournee zusammengestellt die von dem Captain und seiner Crew gewohnt professionell zelebriert werden.

Günther Behrle und Captain Cook und seine singenden Saxophone freuen sich auf Sie und wünschen vorab schon viel Spaßt und gute Unterhaltung bei einer Kreuzfahrt mit der »MS Cook« durch die Welt der Musik.

Das ist eine Musikproduktion der Topklasse. Wer träumt nicht gern von der guten, alten Jugendzeit?! Wir waren jung, verliebt, voller Tatendrang und wollten die Welt kennenlernen. Wir hörten, sahen und liebten unsere Musikhelden, die uns auf diesem Weg begleiteten, deren Songs wir täglich überall hörten, deren Musik, Kleidung, Leben ganz anders war als das, was uns unsere Eltern vorlebten! Die Welt gehörte uns! Wir hatten Bravo -Starschnitte von unseren Helden an den Wänden unserer Zimmer, lasen täglich alles über sie, sahen alle Fernsehshows, in denen sie auftraten, verpassten keine "Disco" mit Ilja Richter im ZDF, hatten sämtliche Schallplatten in den Schränken, um sie auf unseren portablen Mono-Plattenspielern zu legen oder nahmen alle RTL Luxemburg Sendungen über unseren portablen Mono -Cassettenrecorder auf und hörten auf jeder (Schul-)Fete deren große Hits wie „Glas of Champagne“, „Soley, Soley“, „Chirpy Chirpy Cheep Cheep“, „Here It Comes Again“, die damals um die Welt gingen und so Mancher schwofte beim ersten Kuss dazu, im Discolicht. Diese Helden haben unser Leben begleitet, unser Leben geprägt! Ihre damaligen Welthits sind heute legendär und immer noch Bestandteil jedes Radiosenders, vieler TV-(Oldie)Shows oder vieler Partys!

Jeder kennt sie: Die großen Hits, die großen Bands, die großen Sänger/-innen von damals... Wir haben sie über all die Jahre nie vergessen, erinnern uns immer gern an sie, haben mit ihnen soviel Schönes erlebt, kennen immer noch jede Strophe, jeden Refrain. Das sind unsere wirklichen Superstars von damals!

Jetzt kommen diese Stars in die kleinen Hallen und Theater. Dieses Konzept geht auf, hier wirkt alles familiär, alle Künstler geben Autogramme und es ist ein schönes gemütliches Lebensgefühl. Hartmut Schulze Gerlach, der MDR/ARD TV Starmoderator hat mit seiner TV Show "DAMALS WARS" viele Millionen Menschen vor dem Fernseher gebannt! "Damals war’s" ist mittlerweile eine TV-Show-Institution, eine TV-Legende!
 

Seit 2003 hat das Cocomico Theater Köln gemeinsam mit der KIDDINX Studios GmbH Berlin drei Live-Formate mit der frechen Junghexe ins Leben gerufen und damit mehr als 750.000 Zuschauer erreicht. Jetzt kommt das erste Erfolgsmusical „Bibi Blocksberg – Das Musical“ zurück!

In Neustadt herrscht große Aufregung! Nach einem verhexten Vormittag zu Hause und in der Schule wird Bibi von Karla Kolumnas Neuigkeiten überrascht:

Der Bürgermeister von Neustadt will Schloss Klunkerburg abreißen lassen. Das ist natürlich ein Skandal! Schließlich ist Schloss Klunkerburg ein herrlicher Ort für geheime Junghexen-Treffen. Da muss etwas unternommen werden! Bibi und ihre Hexenfreundin Schubia erfahren von der Legende der alten Hexenkönigin Coronaria, die vor 333 Jahren mit einem Superhexspruch in eine Statue verhext wurde und seitdem im Rosengarten von Schloss Klunkerburg steht. Aus Versehen hexen die beiden Coronaria lebendig. Ob sie ihnen dabei hilft, Schloss Klunkerburg zu retten?

World Wide Events ist es gelungen, mit MUSICAL STARNIGHTS eine der am aufwendigsten inszenierten Musical-­‐Produktionen der Welt nach Deutschland zu holen. Mit Top-­‐Solisten,  unterstützt von zahlreichen Tänzern und einem Live-­‐Orchester   besetzt  durch  weltweit  renommierten  Musiker,  wird  dem Publikum beste Unterhaltung auf höchstem Niveau geboten.
 
Sämtliche  Mitglieder  des  Ensembles  sind  am  Londoner  West  End  persönlich von Deborah Sasson gecastet worden. Die international mehrfach ausgezeichnete Opernsängerin und selbst Hauptdarstellerin in der weltweit erfolgreichen  Musical-­‐Produktion   „Das  Phantom  der  Oper“  weiß  genau, worauf es in Gesang und Performance ankommt. „Ich habe lange Zeit am Broadway gespielt und in meiner langen Karriere mit vielen hervorragenden Sängern zusammen gearbeitet. Ich bin sehr stolz darauf, dass wir für MUSICAL STARNIGHTS die besten Musical-­‐Darsteller des Londoner West End gewinnen konnten“, hebt die gebürtige Amerikanerin die Hochwertigkeit der Produktion hervor.
 
Über 250 farbenprächtige Kostüme, akrobatische Tanzeinlagen und eindrucksvolle Videoproduktionen entführen den Zuschauer in die phantastische Welt des Musicals. Angereichert mit Anekdoten und Hintergrundinformationen in einer kurzweiligen Moderation, erlebt der Zuschauer  an  einem  einzigen  Abend  eine  Zeitreise  durch  über  50  Jahre Musical-­‐Geschichte. Von „Cats“ über „Phantom der Oper“ und „König der Löwen“ bis „Dirty Dancing“ – in einer spektakulären Show präsentiert World Wide  Events  die  größten  Musical  Highlights  mit  den  bekanntesten  und erfolgreichsten Hits der besten Musicals der Welt.

Ein zweistündiges spektakuläres Programm erwartet die Gäste von „The Royal Horse Gala — Die Gala der Königspferde”. Alle vorgestellten Rassen, wie z.B. Andalusier, Araber, Lipizzaner, Lusitanos, Friesen waren die unendlich kostbaren, lebenden Juwelen europäischer Königshöfe. Auch heute noch führen diese Pferde das Prädikat „königlich“ im Stammbuch. Die über 30 barocken Hengste wurden jahrelang geduldig ausgebildet, sind außerordentlich selten und auf der ganzen Welt begehrt.

Die internationale Pferde-Show des Produzenten Josef Höfling begeisterte mit ihrem sensationellen Programm bereits über 1 Million Zuschauer in ganz Europa, Laien und Fachleute gleichermaßen und bietet beste Unterhaltung für Jung und Alt, für die ganze Familie.

Höhepunkte der neuen Show „Cavalina” sind u.a.: Verwegene Stuntreiter aus Frankreich sorgen mit ihren rasanten Ritten für Nervenkitzel, stehen auf galoppierenden Lusitanos und überwinden dabei sogar Hindernisse. Spanische Vollblüter, als Andalusier bekannt, steppen gemeinsam mit einer ebenso rassigen Flamencotänzerin zu mitreißenden Rhythmen. Bei den aus der Barockzeit stammenden „Schulen über der Erde” explodieren die vierbeinigen Artisten und springen ohne Hindernisse meterhoch in die Luft. Der lackschwarze Lipizzaner Perla ist nicht nur eine echte Rarität seiner Rasse, sondern er brilliert auch mit unglaublichen Lektionen — Courbette - unter Alojz Lah. Richtig voll in der Bahn wird es dann bei der großen Schulquadrille, bei der die noblen Rassen, mit denen sich ehemals Könige und Kaiser schmückten, noch einmal gemeinsam zu bewundern sind.

Eingebettet in eine imposante Licht-und Soundshow vergeht die Zeit wie im Fluge und die gezeigten Meisterstücke sind rasant, edel und reiterlich auf höchstem Niveau angesiedelt. Ein unvergessliches Erlebnis, nicht nur für Pferdefreunde sondern für die ganze Familie, geht ab 2013 auf Europatournee.

Seit mehr als 15 Jahren ist der Produzent und Veranstalter Josef Höfling ein Garant für Unterhaltung der Extraklasse auf höchstem Niveau. Besonders stolz ist er auf die persönliche Einladung von Königin Elizabeth ll. anlässlich ihres Goldenen Thronjubiläums im Mai 2002 bei „All the Queen‘s Horses” — 1.000 Pferde für die Queen nach Great Windsor Park, Nähe London.

Ein zweistündiges spektakuläres Programm erwartet die Gäste von „The Royal Horse Gala — Die Gala der Königspferde”. Alle vorgestellten Rassen, wie z.B. Andalusier, Araber, Lipizzaner, Lusitanos, Friesen waren die unendlich kostbaren, lebenden Juwelen europäischer Königshöfe. Auch heute noch führen diese Pferde das Prädikat „königlich“ im Stammbuch. Die über 30 barocken Hengste wurden jahrelang geduldig ausgebildet, sind außerordentlich selten und auf der ganzen Welt begehrt.

Die internationale Pferde-Show des Produzenten Josef Höfling begeisterte mit ihrem sensationellen Programm bereits über 1 Million Zuschauer in ganz Europa, Laien und Fachleute gleichermaßen und bietet beste Unterhaltung für Jung und Alt, für die ganze Familie.

Höhepunkte der neuen Show „Cavalina” sind u.a.: Verwegene Stuntreiter aus Frankreich sorgen mit ihren rasanten Ritten für Nervenkitzel, stehen auf galoppierenden Lusitanos und überwinden dabei sogar Hindernisse. Spanische Vollblüter, als Andalusier bekannt, steppen gemeinsam mit einer ebenso rassigen Flamencotänzerin zu mitreißenden Rhythmen. Bei den aus der Barockzeit stammenden „Schulen über der Erde” explodieren die vierbeinigen Artisten und springen ohne Hindernisse meterhoch in die Luft. Der lackschwarze Lipizzaner Perla ist nicht nur eine echte Rarität seiner Rasse, sondern er brilliert auch mit unglaublichen Lektionen — Courbette - unter Alojz Lah. Richtig voll in der Bahn wird es dann bei der großen Schulquadrille, bei der die noblen Rassen, mit denen sich ehemals Könige und Kaiser schmückten, noch einmal gemeinsam zu bewundern sind.

Eingebettet in eine imposante Licht-und Soundshow vergeht die Zeit wie im Fluge und die gezeigten Meisterstücke sind rasant, edel und reiterlich auf höchstem Niveau angesiedelt. Ein unvergessliches Erlebnis, nicht nur für Pferdefreunde sondern für die ganze Familie, geht ab 2013 auf Europatournee.

Seit mehr als 15 Jahren ist der Produzent und Veranstalter Josef Höfling ein Garant für Unterhaltung der Extraklasse auf höchstem Niveau. Besonders stolz ist er auf die persönliche Einladung von Königin Elizabeth ll. anlässlich ihres Goldenen Thronjubiläums im Mai 2002 bei „All the Queen‘s Horses” — 1.000 Pferde für die Queen nach Great Windsor Park, Nähe London.

Seit 2003 hat das Cocomico Theater Köln gemeinsam mit der KIDDINX Studios GmbH Berlin drei Live-Formate mit der frechen Junghexe ins Leben gerufen und damit mehr als 750.000 Zuschauer erreicht. Jetzt kommt das erste Erfolgsmusical „Bibi Blocksberg – Das Musical“ zurück!

In Neustadt herrscht große Aufregung! Nach einem verhexten Vormittag zu Hause und in der Schule wird Bibi von Karla Kolumnas Neuigkeiten überrascht:

Der Bürgermeister von Neustadt will Schloss Klunkerburg abreißen lassen. Das ist natürlich ein Skandal! Schließlich ist Schloss Klunkerburg ein herrlicher Ort für geheime Junghexen-Treffen. Da muss etwas unternommen werden! Bibi und ihre Hexenfreundin Schubia erfahren von der Legende der alten Hexenkönigin Coronaria, die vor 333 Jahren mit einem Superhexspruch in eine Statue verhext wurde und seitdem im Rosengarten von Schloss Klunkerburg steht. Aus Versehen hexen die beiden Coronaria lebendig. Ob sie ihnen dabei hilft, Schloss Klunkerburg zu retten?

Eine aufwändige Inszenierung in Originalfassung mit großem Orchester, Ballett, Chor und Solisten. Prunkvolle Kostüme und ein imposantes Bühnenbild zum großen Jubiläum des unvergessenen Giuseppe Verdi.

200. Geburtstag des Meisters großer Opernwerke – die Jubiläumstour in Deutschland

NABUCCO gehört seit her zu den monumentalen Opernaufführungen aller großen Konzert- und Theaterhäuser. Auch diese Inszenierung beweist die Unvergänglichkeit dieses gigantischen Werkes in einer unverwechselbaren Aufführung, welche bereits triumphale Begeisterungsstürme beim Publikum weckte. Das imposante Bühnenbild, den Originalschauplätzen im Detail nachempfunden, bildet den optischen Rahmen für fast 100 Akteure auf der Bühne, die in aufwendigem Kostümwechsel dieses Werk in Szene setzen. Hervorragende Starsolisten mit besten Referenzen großer Opernaufführungen zelebrieren dieses Werk in vollendeter Meisterschaft. Diese Inszenierung versetzt den Zuschauer in das Zeitgeschehen um Verdis kompositorisches Schaffen. Blicken wir zurück wie alles begann: Das Jahr 1842 soll für den Italiener Giuseppe Francesco Verdi der Durchbruch als Opernkomponist werden. Selbst persönlich in einer Lebenszeit tiefgreifender Schicksalsschläge gelang mit der Oper NABUCCO sein erstes großes Werk als Opernkomponist. NABUCCO wurde zu einem rauschenden Triumph. Verdi, selbst Anhänger der italienischen Einigungsbewegung, hatte den Nerv seiner Landsleute mit diesem Thema getroffen. Seine Musik setzte Emotionen frei und begeisterte bald das Publikum. Die Oper eroberte alle großen Opernbühnen Europas und setzte ihren Siegeszug bis in unsere Tage fort. Mit NABUCCO gelang Verdi ein Werk mitreißender musikalischer Kraft, getragen von großen Gefühlen wie Liebe, Eifersucht aber auch Hass und Irrtum. Das dramatische Geschehen zieht Parallelen zum Widerstand gegen vielfache Fremdherrschaft, der Sehnsucht nach nationaler Selbstbestimmung und der Hoffnung nach Freiheit. Der Chor in der Oper „Va, pensiero, sullàli dorate“ auch oft Gefangenen oder Freiheitschor genannt, gehört zu den populärsten Musiknummern der Operngeschichte und gilt als Fanal für den Freiheitskampf auch späterer Generationen und Völker. Man nennt diese Melodie auch die zweite italienische Nationalhymne, so eng hatte sich das italienische Volk mit dem Werk verbunden. Selten wurde mit den Mitteln der Musik in der Form ein Zeichen des Protestes gegen Tyrannei und politischer Willkür gesetzt. Nach seinem triumphalen Opernerfolg gelangen Verdi weitere Werke mit epochalem Hintergrund und meisterhafter kompositorischer Größe. Die Opernliteratur bestimmen bis in unsere Tage Werke wie „RIGOLETTO“, „AIDA“ oder „LA TRAVIATA“.

Im Jahr 2013 begeht die Musikwelt den 200. Geburtstag des Giuseppe Francesco Verdi, der in einfachen Verhältnissen im Herzogtum Parma geboren wurde und bald durch sein überdurchschnittliches musikalisches Talent das Interesse privater Förderer fand. Auf Augenhöhe wird Verdi auch als Gegenspieler Richard Wagners genannt. Beide im gleichen Jahr geboren, prägten ohne jeden Zweifel die Musikgeschichte ihres Jahrhunderts. Ihre Werke gehören zur Opernkultur von Generationen und belegen einen Hauch von Unvergänglichkeit. Mit Verdis NABUCCO verbindet sich stets ein neuer Zeitgeist, der aber in sich immer den Grundgedanken nach Freiheit und Unabhängigkeit vereint.

CITY unplugged. Ein Programm, welches auch die leisen Töne von CITY berücksichtigt. Die schönsten Balladen aus nunmehr 40 Jahren Bandgeschichte und die größten Hits in neuen elektro-akkustischen Arrangements.

Es müssen nicht immer die großen Gesten sein, die das Herz berühren. CITY versteht es in diesem Programm auf Samtpfoten eine ganz besondere Atmosphäre zu schaffen und das Publikum zu verzaubern.

Für immer jung – 40 Jahre CITY

eine Betrachtung von Olaf Leitner (Januar 2012)

CITY – das ist ja nicht nur eine Band. Auch wenn es schon ausreichen würde bei einer Band wie dieser. CITY – das ist Kulturgeschichte.

Deutsche Kulturgeschichte. CITY hat drei Deutschlands erlebt und in seinen Songs abgebildet: Die DDR als Heimat, die BRD als Gastspielreiseland – und nun, friedlich und mit Nachdruck zusammengezimmert, die BRDDR. „Wir als Band betrachten uns immer als Spiegel der Gesellschaft oder der Umgebung, in der wir auftreten.“ Damals wie heute: „Wir haben immer versucht, die Themen aufzugreifen, die bewegen. Kleine Wahrheiten mussten wir in den Texten verstecken, wo zwischen den Zeilen lesbar wurde, was wir meinten“ sagt Toni Krahl.

CITY steht exemplarisch für jenen Teil der DDR-Rockmusik, der sich mühte, das Maß an Anpassung gering zu halten und über das Medium Text und Musik mit List, Mut und Intelligenz die bescheidenen Möglichkeiten der Wahrheitsfindung und -verbreitung zu nutzen. Toni Krahl war im Umgang mit der Obrigkeit bereits von leidvollen Erfahrungen geprägt. Im Spätsommer 1968 hatte er, naiv, aber mit Courage, „kleine stümperhaft gestaltete Flugblätter“ verteilt, auf denen er gegen den Einmarsch der Warschauer Pakt Staaten in die CSSR protestieren wollte. Er wurde zu drei Jahren Gefängnis verurteilt. Ein Ereignis, das in der Gegenwart noch seinen Niederschlag findet: „Prager Frühling. Wut im Bauch. Sechzehn Wochen hinter Gittern. Das war ich“ singt er auf der neuen CD „Für immer jung“.

„Wir waren die geduldete Opposition, es gab da noch die ungeduldete und die verbotene. Wir saßen immer auf schmalem Grat, und da sitzen wir immer noch. Wir sind dem heutigen System genauso suspekt wie dem vorherigen und wollen immer noch dasselbe erreichen wie früher. Aber irgendwie macht das Don-Quijote-Spiel auch Spaß. Ohne Gegenwind ist es langweilig!“

Ich bin sicher, dass auch die Rockmusik der DDR zum allmählichen Untergang der Republik beigetragen hat. Die getarnten Botschaften der Texte, aber auch die Vitalität und Kraft der Musik, eingespielt von großartigen Sängern und Instrumentalisten, hat der als „Kampfreserve der Partei“ missverstandenen Jugend Kraft und Selbstbewusstsein gegeben, um das Herumkommandiert–zu-werden einfach zu ignorieren. Die Leute von CITY waren Protagonisten der Szene. Und sie haben die Wende gemeistert, haben den zeitweiligen Stillstand durch Aktivitäten wie Gründung eines eigenen Plattenlabels überlebt, konnten sich in die neue Szene einfädeln und mit ansehen, wie viele der so umschwärmten Wessi-Bands an Glanz verloren.

Sie hielten durch ihre Lieder Erinnerungen wach und gaben damit den neuen Bundesbürgern ihre Identität wieder, die im Talmiglanz westlicher Attraktionen zu verblassen drohte.

Nach 4 Jahrzehnten sind CITY immer noch...

– eine echte, keine zugezogene oder eingemeindete Berliner Band, eine Band der

   längst gesamtdeutschen Hauptstadt.

– da bleiben ein gutes Dutzend Alben, mindestens doppelt so viele einprägsame

   Hits und ihre nachhaltige Präsenz auf der Bühne.

– CITY anno 2012 ist immer noch strikter, exzellenter Rock’n’Roll ohne

   Schleifchen und Swing-Bremsen.

Frontmann Toni Krahls Gesang hat dabei nichts von seiner ironischen Dimension eingebüßt, Fritz Puppels Gitarre liefert nach wie vor präzise Attacken gegen auf reinen Wohlklang getrimmte Ohren und Joro’s Bass- und Geigenspiel gibt der Band wie von Beginn an, das Besondere, das Unverwechselbare – Rockmusik mit einer Prise Balkan-Folk.

CITY im 40. Jubiläumsjahr spiegelt den unaufkündbaren Optimismus der Band wieder, denn wie heißt es in einem ihrer neuen Hits: „Es ist immer noch Sommer bis kommenden Mai“.

Die spektakulärste Show seit dem Original

STAHLZEIT ist mit einer Best-Of-Produktion auf Tour durch Europa, die alles bisher Dagewesene in den Schatten stellt. Nach dem großen Erfolg im Januar 2013 kommt die spektakuläre Show auch wieder nach Rostock.

Mit bemerkenswerter Präzision arrangiert STAHLZEIT nicht nur die Musik in dem für RAMMSTEIN so typisch brachialen Bombast-Livesound. Auch die aufwendige Pyro-Show wird ebenso kompromisslos wie spektakulär umgesetzt.
 
Dazu kommt die verblüffende Ähnlichkeit von STAHLZEIT-Frontmann Heli Reißenweber in Aussehen, Stimme und Performance mit RAMMSTEIN-Sänger Till Lindemann.

Mit Mega-Technik und einem beeindruckenden Bühnenbild werden sämtliche Höhepunkte der bisherigen RAMMSTEIN-Tourneen in einer schweißtreibenden 2-Stunden-Show vorbildgetreu in Szene gesetzt.

Keiner der großen RAMMSTEIN-Hits wird ausgelassen. Ein Best-Of Programm aus älteren wie auch topaktuellen Songs steigert sich im Laufe der Show von einem Superlativ zum nächsten.

Computergesteuert und von einer professionellen Pyrocrew in Szene gesetzt, wird die Show von genau diesen unglaublichen Feuersbrünsten getragen, deren Masse und Vielfältigkeit man bisher nur bei einem Original RAMMSTEIN-Konzert live zu sehen und förmlich zu spüren bekommen hat.

STAHLZEIT ist die europaweit meistgebuchte Tributeband und begeistert seit Jahren die Fans und Fachpresse gleichermaßen mit einer grandiosen Hommage an die erfolgreichste Industrial-Band der Welt.